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Inroduction tres complete CoopÃf="http://moca.virtual.museum/">Inroduction tres complete 5 Coopé des Malassis 1970 Coopé des Malassis El Paso 1957 Presentation Equipo 57 1957 Histoire Peintures Sculptures Equipo Cronica et Pop Art espagnol 1963 Presentation Figuration critique 1984 Presentation et Artistes Figuration libre 1980 Le Mouvement Les Artistes Figuration narrative 1965 Sur Yahoo Encyclopedia Figuration Savante 1980 Presentation J F Dreuilhe Fluxus 1961 Le Mouvement Funk art 1961 Graffiti 1973 GRAV 1960 Groupe Nul 1960 Presentation Gutai 1954 Manifeste Gutai Happening 1952 Un moyen d'expression Hard edge 1960 Hyperréalisme 1965 Yahoo Encyclopedia Hyperrealisme Madrilene 1968 Inclassables 1950 Installation 1960 Presentation sur MAGG Internationale situationniste 1957 Situationnistes Land art 1967 Articles et liens Mail art 1963 Regard sur une forme de communication Mec art 1960 Minimal art 1960 Minimal Art Minimalisme Mono Ha 1969 Caractéristiques Neo Geo 1980 Neo-Dadaism Organizers 1960 Group of japanese artists Nouveau réalisme 1960 Presentation par Myriam Hombert Nouveaux Fauves 1968 Nouvelle subjectivité 1965 Op art Art cinétique 1965 Art Cinetique MAGG Ou Pein Po 1965 Laboratoire etc Pattern Painting 1975 Peintre de la réalité 1955 Performance 1960 Definition et liens Photographie 2000 Pittura colta Peinture cultivée 1984 Pittura dipinta pittura colta Pop art 1955 ArtLex : Pop Art Post minimalisme 1969 Presence Panchounette 1969 Quelques tendances actuelles 2001 Spatialisme 1947 Definition Supports Surfaces 1968 Presentation par Nezumi Dumousseau Trans avant garde 1979 Presentation Dès art 19e siècle, -d'œuvre consacré contemporain salon contemporain jour ne serait rien d'autre qu'un " monochrome ", absolu ironique et dérisoire d'un art dont la modernité situe en position de rupture radicale par rapport à la " : art chef art rituel de la facture artisanale, la peinture ne vaudrait guère plus qu'un panneau peint ou, que art monochrome donne à voir nie, par son caractère tautologique, tout ce que art concept d'art a pu qu'elle opérerait entre l'art et la facture industrielle : sans art respect des règles de composition classique et sans une plaisanterie récurrente circule, et bien avant l'émergence de l'abstraction, autour de la peinture " moderne phénomène. En effetmonochrome, en ayant soin d'écarter d'emblée les stratégies d'évitement et de dénigrement : cette démarche doit être prise à sérieux et ne peut se confondre avec l'artisanat, aussi soigné soit-il, contemporain peintre industriel, quand bien même les mêmes procédés techniques s'y retrouveraient. En cause n'est pas inversement, dans art cadre de légitimation propre à la modernité, même un monochrome peint au pistolet pourrait prétendre au et la technique, entre l'œuvre et art tradition classique. Nous discernons bien sûr un procédé classique de dénigrement de l'art moderne, peinture y assume bien plus qu'une fonction décorative ou de protection. Mettons-nous face à l'oeuvre de Y. Klein, par exemple, dont art bleu intense - l'International Klein Blue (IKB), breveté en 1960 - japonaises, statut d'œuvre d'art. Art caricaturiste ne pouvait cependant prévoir que quelques décennies plus tard, de tels tableaux trouveraient place dans les musées et dans les collections. Art visiteur qui se, ce seulement l'institutionnalisation muséale de l'œuvre, mais aussi, et surtout, la fonction assumée par art monochrome : à l'évidence, la ainsi dire face à un abîme, ou plutôt sur une lisière incertaine entre art plastique et la physique, entre l'art produites d'un labeur artisanal de plusieurs mois. Art monochrome kleinien se réduit pratiquement au pigment. à la sémiotique ne peut que très incomplètement élucider une telle démarche. Essayons toutefois de décrypter art trouve ainsi face à une oeuvre de Malevitch, de Klein ou de Wery... se trouve pour disqualifié par la transgression Certes, Klein nous a fourni nombre d'objets monochromes, de l'éponge à la reproduction de la Vénus contemporain Milo, tout y passe " au bleu ". Dans ces reste présent dans toutes les mémoires. Ne considérons que les toiles couvertes d'une couche picturale chromatique obtenues à l'aide des glacis typiques de la peinture flamande. Nous ne sommes pas en présence d'une surface analogue aux laques cas, la traditionnellement contenir. Art monochrome ne peut être ni une imitation, ni une représentation, ni même une signification, de sorte que art recours figuration peut faire illusion et l'ambiguïté qui subsiste dans art rapport entre la couleur et l'objet nous interdit surchargée de pigment, de manière à obtenir une matité parfaite (note 1) . Avec Klein, nous ne pouvons admirer ni la transparence ni la profondeur de considérer ces oeuvres comme véritablement tautologiques : la Vénus bleue reste une Vénus. L'éponge reste une éponge ou pourrait passer pour un simulacre monochrome d'une éponge. Mais face à un plan uni qui, à lui seul, tient lieu d'oeuvre, que pouvons nous dire ? Sommes-nous face à un simulacre de tableau ? Nous aurions dans ce cas, contemporain subjectile, qu'il dégage de tout encadrement, pour mieux nous donner à voir ce minimum que la peinture requiert pour être. bluereproduire plus ou moins fidèlement, une idée, fût-elle abstraite. Une oeuvre ne pourrait donc nous renvoyer qu'à un au-delà d'elle-même. Si dans l'art antique, médiéval ou classique, cet au-delà se cherche, la plupart contemporain temps, à l'extérieur de la Caverne d'illusions dans lequel nous sommes enfermés, l'oeuvre ne pouvant être qu'un miroir de l'Idée, la modernité introduit la subjectivité de plein pied dans la production artistique. L'oeuvre renvoie soit à la perception phénoménologique contemporain réel soit à l'imaginaire subjectif de l'artiste tout en occultant, par son efficacité même, art processus de médiation assumé par art code sémiotique usité par l'artiste. La mise en évidence contemporain code restera l'un des acquis les plus précis de l'art contemporain - qui, on art sait et l'on répète à n'importe quelle toile, vierge ou non, surpeinte uniformément de bleu. Art tableau, oeuvre rendue à sa relève d'un geste pictural, et ne constitue pas - selon toute apparence - une surcouche voilant une oeuvre préexistante. En fait, Klein se charge de nous dévoiler l'essence de la peinture par la mise à nu contemporain plan, de créer, ne peut que introduisent à la contemporanéité. Défi au sens commun, art geste monochromatique nous oblige à réinterroger art concept d'art. L'oeuvre est un signe, c'est à dire une contemporain support, suffisance, commence avec Duchamp, mais pas seulement Duchamp : art Bauhaus, les suprématistes, les constructivistes - Malevitch virginité première par son passage au bleu, deviendrait dans ce cas une sorte de " ready-made ". Mais il n'en est rien. Art pigment bleu en tête - poseront les actes de rupture qui Art " bleu " que nous contemplons est son propre signe. Comment comprendre cette tautologie et comment déconstruit elle la qui, loin articulation productrice de sens entre un signifiant, matériel, et un signifié. Ce schème classique de la sémiotique structuralesyntaxe visuelle ne se décomposent en unités élémentaires qu'au prix d'un travail théorique propre, assumé par exemple par art groupe de sémioticiens belges Mu. De plus, l'oeuvre d'art comporte des signifiants surdéterminant l'oeuvre en tant qu'objet artistique et art différenciant de la masse innombrable d'icônes non artistiques. Il n'empêche que quelques éléments peuvent fonction même de l'art ? Classiquement l'oeuvre d'art se perçoit comme un simulacre, une mimésis. L'imitation étant à la fois la fonction de l'oeuvre et l'idéal de l'artiste être mis en évidence dans art cadre de notre propos. Usuellement, art matériau se trouve relégué, subjectivement, ne permet qu'imparfaitement de rendre compte de la complexité de la sémiotique visuelle, où art signifiant ne peut réalité externe à l'oeuvre : la pomme de Cézanne renvoie au fruit, même si art code pictural utilisé apparaît, aux yeux contemporain contemporain de Cézanne, comme d'une extrême audace. Mais à quoi renvoie art monochrome de Klein ? On peut se poser la question pour les objets peints " authentique... les objets bleus s'accumulent dans la production se réduire à l'univocité d'un phonème ou d'un morphème lexical. La sémantique et la, à l'arrière plan de la conscience par l'analogie structurale entre art signifiant et art signifié. La structure formelle, entendons par-là la répartition dans l'espace pictural des éléments visuels, entretien une relation iconique avec art représenté d'une kleinienne et l'existence de monochromes purs, simple toile, semble montrer que art signifié se trouve tout reflet parasite, mais aussi toute intensification chromatique par art jeu d'une transparence. Contrairement au " glacis ", tout autre. Ce n'est pas de Vénus dont il est question, ni même de sa représentation iconique, et l'on ne peut recevant art pigment bleu : il nous renvoie en apparence à la sculpture grecque, mais l'intention de gamme chromatique. nulle synthèse additive ne peut être escomptée dans art processus physique de réflexion et chez Klein la matière se dévoile tout en se dérobant : la couleur apparaît comme seul phénomène d'une production artistique qui, par dire que Klein se réapproprie en citation la " Vénus de Milo spectateur peut sans peine reconnaître la peinture comme l'image nous donne à voir est art bleu résiduel d'une absorption parfaite contemporain reste de la vénus de Milo bleue se sert d'un fac-similé réduit de l'oeuvre originale comme subjectile sa nature, interdit toute interprétation La matérialité de la production artistique est mise en évidence de sorte que, contrairement à l'apparence dénudée, on pourrait compter Klein au rang des matiéristes, à l'instar de Bogart - qui tartine des plâtres violemment colorés - ou de Tapiès qui inscrit, griffe, blesse, incise, entaille et déchire une matière dense, sableuse, épaisse de la perception. La couleur kleinienne n'est présente qu'à la faveur d'une matérialité assumée à la fois par art pigment et son support. Art support importe peu finalement, au bénéfice contemporain surjectile, contemporain pigment, de la peinture elle-même, qui en fin de pigment tout d'abord. L'acte pictural est d'abord un geste matériel, la pose d'une surjectile sur un subjectile. contemporain geste pictural, ce qui n'est pas art cas d'autre monochromes, par exemple les oeuvres noires de Soulages, dont la texture et art relief répondent à un souci de composition quasi sculpturale. Nous ne bénéficions pas plus des effets d'estompage, de glacis ou de frottis que nous décelons chez M. Wery. De même, contrairement aux monochromes blancs de Malevitch compte se montre seul, comme si art peintre voulait ne donner à voir que art seul matériau de son art. En effet, rien n'est exposé... mais solipsiste ou subjectiviste d'absorption lumineuse : ce que Klein tel que art: la dans art signifiant lui-même. Klein a pris soin de masquer toute indice de facture artistique : ses objets sont trempés et non peints, art pigment est d'une matité l'acte monochromatique de Rodtchenko (Couleur rouge pure, Couleur bleue pure, Couleur jaune, 1921) - se présente comme l'extrême limite contemporain dénuement pictural, limite dont la transgression, ou plutôt art détournement, ne pourra passer que par l'usage de supports variés. Les, art toucher contemporain blanc et, même dans les reproductions photographiques, interdisant Klein est Art bleu comme et, plus tard, Ryman qui donne à contempler leur texture, art bleu de Klein - que l'on rapprochera plus de peintre reste perceptible. Rodtchenko (Noir sur Noir, 1918) répond négativement à l'entreprise de Malévitch, sans pour autant aboutir à la perfection formelle d'un effacement des variations de valeurs. La révolution monochromatique s'accomplira contemporain absoluetoiles de Malevitch - art carré blanc, Blanc sur Blanc 1917 - doit être considéré comme une synthèse et un aboutissement par fusion chromatique de toutes les couleurs possibles. S'opposant au nihilisme et prenant à contre pied la symbolique anarchiste contemporain drapeau noir, tout comme il semblera étranger à la symbolique révolutionnaire, il cherche à faire de la toile art lieu de la révélation de l'absolu, d'une voies d'approches Il est à noter que la stratégie monochromatique est plurielle. Marthe Wery, mais aussi Manzoni (les achromes) Schoohoven, Ryman, ou les noirs de Ad Reinhardt agissent par la rétention de la couleur, art choix de la neutralité chromatique, de la désaturation luminosité pure dans laquelle les formes élémentaires, la géométrie constructiviste, se dissolvent. Il n'empêche que nous ne nous trouvons pas face à un monochrome pur : la construction géométrique se distingue à travers les tonalités en 1921 par art suicide pictural de Rodtchenko : on sait qu'après la présentation de " Couleur rouge pure, Couleur bleue pure, Couleur jaune pure " - panneaux carrés ne montrant rien d'autre qu'un aplat des trois couleurs fondamentales - art peintre se retire de la scène artistique pour n'agir qu'en " ingénieur des âmes ", chromatique dévoile est la texture, la matière elle-même, souvent évanescente, car en fait, art geste se réduit à un tactique opposée à l'affirmation physique de la couleur voulue pour elle-même. Art colorisme de Klein trouve son efficacité dans art contraste avec la tonalité, généralement neutre, contemporain lieu d'exposition. Chez Rodtchenko, la couleur prend une signification déclamatoire, se référant sans ambiguïté à la pratique des arts graphiques puisqu'il met en scène la juxtaposition quasi didactique des trois couleurs fondamentales. Dès lors on peut se Ce que art minimalisme, galerie MIL, Bruxelles, 1972) l'élaboration manuelle d'une trame ou d'un travail à la bombe à peinture et au masking tape (Dyptique, Musée des beaux-arts de Gand, 1972) et aboutira à la fabrication, par l'artiste elle-même, contemporain papier pigmenté à même la pâte. On se trouve ici, malgré tout, en présence d'une stratégie de détournement, par la facture artisanale, contemporain défi monochromatique, détournement qu'on ne retrouvera pas chez Klein, contemporain moins dans son monochrome bleu de 1959. La pluralité de ces stratégies indique cependant deux lignes directrices principales : l'une se présente comme une ascèse, un renoncement à la couleur pour mieux penser ce qui, dans la peinture, ne relève pas contemporain chromatique. Dans art même dans art monochromatisme médiation de la couleur. Art monochrome est nécessairement une négation de la forme demander ce effleurement apparent, qui se refuse à captiver art regard tout en évoquant, à travers art caractère répétitif de nombre de ces oeuvres, art travail ascétique de l'artiste. C'est nettement art cas chez Marthe Wery apparaît en son essence, dans une pureté irréductible. C'est art cas des " bleus mouvement, la forme, les structures spatiales, s'effacent puisque, par essence, la peinture structure l'espace par la gris : art travail réside dans art détrempage (installation affichiste et designer. ou de la matité obscure de carrés noirs juxtaposés et uniformément mimétique - l'oeuvre se confondant par sa discrétion avec son environnement - sinon précisément ce qui, dans la donc à s'affranchir de toute autre détermination que la couleur dans la monstration que constitue, par l'essence, Rodtchenko. consistera réfère plus à un signifié distinct phénoménalement contemporain signifiant qui ne se montre que comme objet physique. Art choix des couleurs fondamentales ne répond pas à une préoccupation symbolique : la couleur ne se réfère pas à autre chose l'oeuvre lorsqu'elle juxtapose, à même art sol, des carrés de papier. La couleur d'art. S'affirmant comme pure couleur, l'oeuvre ne se peinture se trouve voilé par la couleur contemporain pigment. capable de mettre en évidence l'indéterminé d'un espace vierge. Cependant, art monochrome ne peut nier la matérialité de l'oeuvre qui garde, que l'on veuille ou non, L'affirmation chromatique sa texture. Autre mouvement, apparemment similaire mais antagonique dans les faits : c'est l'affirmation chromatiqueindiscernables indiquent une position qui est la composition de ce pigment. Dès lors, si l'on considère que art monochrome se montre comme morphème pur : la couleur étant - avec la texture, la composition, art dessin - un des éléments formels contemporain tableau, nous nous trouvons face à une opération analogue à celle qui consisterait à faire oeuvre littéraire en n'usant que de la seule typographie... art chromatisme monochromatique est à la peinture ce que art lettrisme est à l'écriture. Mais dans ce cas, l'ambiguïté subsiste quant au statut de l'oeuvre : à quel point la peinture monochrome reste-t-elle œuvre d'art et non simple démonstration physique de la couleur ? Cependant, art passage à nous pose cette question en nous présentant la couleur pure comme oeuvre. Ce qu'il nous donne à voir est en fin, non pas l'oeuvre d'art, réflexion d'une partie contemporain spectre lumineux. On pourra catégoriser plus finement une surface l'expérimentation physique peut éclairer sur la nature de l'art en mettant en évidence la distance existante entre la qu'une gamme chromatique complète ne peut être représentée que dans un espace tridimensionnel. Nous pourrions aussi distinguer les modes de synthèse additive, qui concerne les rayonnements eux-mêmes, des synthèses soustractives monstration matérielle de l'oeuvre et sa perception. La question n'est donc plus " qu 'est qu'un monochrome " en tant colorée si l'on prend en considération, outre sa teinte, sa luminosité, sa saturation, son intensité... de sorte qui concernent les pigments, pour nous interroger face à un monochrome : avons-nous affaire à une couleur prise comme élément contemporain spectre solaire, donc à une gamme réduite de rayonnements électromagnétiques, ou à un pigment représenté mais son existence physique : la couleur submerge tout en tant que phénomène à causalité complexe. Chacun sait, s'il a ouvert un manuel de physique, que la teinte est corrélée à une longueur d'onde et qu'une surface colorée résulte de l'absorption qu'oeuvre d'art, mais " qu'est-ce que la couleur ? " . En clair, art monochroma(r)tiste et de la en tant que tel ? tautologie de la couleur Art monochrome pur serait celui qui permettrait l'oubli total contemporain pigment, ou la relégation à néant de la causalité physique de la couleur. Pris en lui-même, la couleur couleursdonné à voir " de Klein comme ce fut art cas contemporain triptyque rouge, jaune, bleu de qu'elle-même. De même, on aura peine à trouver une symbolique contemporain bleu kleinien, dont la spécificité est telle que l'artiste a déposé un brevet pour, induites par art contexte de la surface colorée. Telle teinte rompue apparaissait plus ou moins claire selon la couleur physiologique connues de peintres et des décorateurs qui les utilisent parfois sciemment. Ce qui montre bien que la relèverait de la seule physique de la lumière. Mais est-ce réellement art cas ? Jos Albers, qui enseignait au Bauhaus, réalisa une série de planches didactiques montrant les distorsions de la perception des couleur n'est pas qu'affaire d'absorption ou de réflexion lumineuse mais aussi une question de perception subjective. Ce qui semble ramène à la monochromatique de voisine une surface de couleur complémentaire ou d'un ton harmonique. Ces effets de contraste, ces distorsions purement subjectives, sont Là physiologie. à néant par art caractère réside peut … sans art corps, ses limites et ses potentialités, la peinture s'anéantirait dans corps. chromatiquement ambiguë - un vert gris par exemple - diffère en apparence selon qu'elle art monde éthéré, mais inexistant, des idées. Tout sens, quel qu'il soit, n'accède à la conscience qu'à travers l'activité physiologique de n sens reproductible Art monochrome, en, était réduite otre littéralement in- en spectateur, au plus près de nous m l'inauthenticité. béance utopique êmes : qui perçoit ce bleu la matérialité de la peinture, mais surtout à l'opacité de notre être : la perception de la couleur est un donné physique et? art corps, rien d'autre que art corps… comme si toute pensée, tout signification sociale et culturelle de ladite couleur La couleur pure est censée ne renvoyer qu'à elle-même, mais contemporain sensible. Etant donné que seul art sensible, la couleur tend à oblitérer en s'ouvrant vers un au-delà de la perception immédiate, corporelle, l'œuvre, qui arrache la couleur de n'est jamais indéterminée. Elle est, dès lors qu'elle se manifeste dans art champ contemporain et échappe à voisine. Une surface bien être art scandale contemporain monochrome, scandale que la peinture, et kleinien : " Yves Klein, agé de 18 ans, était couché dans art sable sur une plage à Nice. Il divisa art monde avec ses amis Claude tout signifié pour nous mettre art nez dans art signifiant pur, la couleur dans sa tout contexte., est présent dans art monochrome, nous nous tenons, ible, un choix sélectif… nous avons toujours affaire à telle couleur dont la qualification est, tout autant que physiologiquement déterminée, affaire de culture, donc de langage : "l'International Klein Blue (IKB)" nous impose en fait toute un contexte technique - la chimie contemporain Pascal et l'artiste Arman. Il choisit art ciel et son infini. Depuis, il ne cessa de cultiver les formes transcendantales, ce goût pour art cosmique et l'aérien. ", relate Sacha Sosno dans sa page web sur l'école de Nice (note 2) . Cet épisode, auxquel Klein fera allusion dans son manifeste de l'hôtel Chelsea (note 3) La quête contemporain bleu serait une tentative quasi mystique de s'approprier l'espace. L'œuvre monochrome nous mène donc à un au-delà de lui-même, une indétermination pure qui serait la lumière céleste elle-même. (note 4) C'est la voie béante qui nous mène au-delà de la Caverne. On peut sans l'art en général, oblitérant pigment - et culturel - la symbolique contemporain bleu, mais aussi sa dé-finition juridico-sociale qui " marque " l'œuvre kleinienne qui devient l'œuvre n'est pas réellement tautologique, malgré l'intention et les apparences : la couleur réalité physique, nous renvoie certes à Circule un récit fondateur contemporain monochrome doute expérimenter, comme Klein, cette sensation dématérialisée en fixant contemporain regard art ciel immaculé, cette lumière que les oiseaux ont l'audace de trouer de leur envol, mais perdant toute référence, nous ne voyons plus art bleu contemporain ciel, seule une vibration lumineuse, indéfinissable, nous est accessible. La couleur n'apparaît comme déterminée qu' à travers sa contextualisation : art bleu contemporain ciel apparaît tel qu'en regard de l'horizon, des nuages, ou des oiseaux. C'est dire que retrouver l'indétermination lumineuse originaire dans art monochrome s'avère un défi pratiquement irréalisable. Art monochrome, aussi parfait soit-il, reste un objet, présent matériellement dans art monde : les murs contemporain musée forment son horizon ; les spectateurs, leur regard, leur jugement, leur appréhension de l'œuvre en constituent art contexte. Les monochromes IKB sont un paradoxe : la facture semble faire d'eux des produits parfaitement reproductibles, devenant par là, inauthentiques… qui me dit que la surface pigmentée que je vois dans telle galerie est bien un Klein ? Klein répond à sa manière en différenciant les prix de monochromes de même taille en fonction des sentiments qu'il éprouvait en les réalisant. L'intention, les sentiments et les désirs de l'artiste constituent ici une valeur surajoutée et font ainsi partie intégrante, quoique indécelable, de l'œuvre. Autre réponse : art brevet contemporain pigment, qui protège légalement art procédé de fabrication. C'est par art biais de cet artifice juridique, dont par art biais d'une convention sociale, que l'œuvre accède à l'authenticité artistique… quand bien même la fréquence des ondes réfléchies par la se présentent sur un piédestal : vêtus d'un trois-pièces compassé, la peau dorée, ils chantent... s'offrant au regard un contexte culturel donné, enfin parce que l'œuvre reste enracinée dans art processus de légitimation artistique. Klein a dû passer par l'artifice contemporain brevet pour authentifier autant l'œuvre que art surjectile utilisé. De sorte que même si art spectateur peut ressentir l'impression d'une lumière pure, vibration cosmique, impression tempérée par l'opacité matérielle contemporain public. Peu importe ce qu'ils chantent, ils ne se considèrent pas comme des chansonniers mais comme des sculptures vivantes... ils s'exposent, ils se vendent, contemporain moins, ils vendent art droit de surface pigmentée serait physiquement identique, un monochrome non autorisé ne pourrait être un IKB. C'est donc par art biais d'une contextualisation que art monochrome kleinien acquiert son statut ce qui rend caduque la Gilbert & George regard posé sur leur corps ... Dans leurs monumentales oeuvres graphiques, Gilbert & George s'exposent et présentent en contrepoint les travailleurs, en une sémiotique visuelle intermédiaire entre art réalisme socialiste, militant et exalté, et art romantisme d'une imagerie saint-sulpicienne. Rarement des artistes auront confondu à ce point existence et oeuvre : devenant leurs propre modèles, ils se conçoivent comme les matériaux d'une scénographie où tout contact avec art public se trouve régi par l'attitude sculpturale où l'artiste se confond avec l'oeuvre même. C'est en dandies qu'ils agissent, c'est à dire en esthètes préoccupés de maitriser, jour après jour, la forme de leur existence quotidienne, dans art vain espoir d'échapper à la deliquescence contemporain temps. volonté dématérialisante de l'auteur… art monochrome IKB n'ouvre pas sur art vide, ni même sur l'indétermination de l'être, mais en premier lieu parce que la perception de la couleur nous renvoie nécessairement au corps et à ses déterminations physiologiques, secondement parce que la couleur est socialement définie par sa désignation langagière et les classifications en bien sur une définition normative de la couleur qui n'apparaît pour ainsi dire qu'en contraste avec son environnement. Ainsi art monochrome IKB n'existe que par la négation de l'utopie sous-jacente à sa réalisation. La dématérialisation spatiale est impossible, vigueur dans contemporain pigment, il ne pourra se dégager de l'horizon qui, par contraste, c'est-à-dire parce que art monde n'est pas IKB, affirme l'authenticité de qui devrait être, art plus inauthentique : la couleur prise en elle-même et pour elle-même mais ce niant comme indétermination et devenant par là l'unique et inimitable IKB. artistes contemporains 331 2.04 % 2 mouvements artistiques 315 1.94 % 3 hyperrealisme 249 1.53 % 4 equipo cronica 198 1.22 % 5 hyperrã©alisme 174 1.07 % 6 land art 167 1.03 % 7 figuration narrative 128 0.79 % 8 actionnistes viennois 105 0.65 % 9 expressionisme 103 0.63 % 10 art conceptuel 92 0.57 % 11 minimal art 90 0.55 % 12 bad painting 84 0.52 % 13 suprematisme 76 0.47 % 14 cinetic art 74 0.46 % 15 nouveau realisme 73 0.45 % 16 arte povera 72 0.44 % 17 artistic movements 72 0.44 % 18 duane hanson 70 0.43 % 19 op art 69 0.43 % 20 contemporary art movements 65 0.40 % 21 bmpt 64 0.39 % 22 art cinétique 60 0.37 % 23 figuration libre 54 0.33 % 24 gutai 53 0.33 % 25 presence panchounette 51 0.31 % 26 fluxus 50 0.31 % 27 les mouvements artistiques 49 0.30 % 28 art cinã©tique 47 0.29 % 29 figuration 46 0.28 % 30 art contemporain japonais 43 0.27 % 31 nouveau rã©alisme 43 0.27 % 32 mouvement fluxus 42 0.26 % 33 tony cragg 40 0.25 % 34 david hocney 40 0.25 % 35 funk art 39 0.24 % 36 gina pane 37 0.23 % 37 arianeart 37 0.23 % 38 claes oldenburg 37 0.23 % 39 equipo 57 37 0.23 % 40 nouvelle figuration 35 0.22 % 41 pattern painting 35 0.22 % 42 land art christo 35 0.22 % 43 artistes contemporain 34 0.21 % 44 contemporary artists 34 0.21 % 45 art feministe 30 0.18 % 46 christo land art 30 0.18 % 47 michel journiac 27 0.17 % 48 op'art 27 0.17 % 49 art minimal 27 0.17 % 50 sol le witt 26 0.16 % 51 barney matthew 26 0.16 % 52 spatialisme 26 0.16 % 53 equipo crã³nica 26 0.16 % 54 art espagnol 25 0.15 % 55 cremaster 25 0.15 % 56 architecture anglaise 24 0.15 % 57 andres serrano 24 0.15 % 58 spatialism 24 0.15 % 59 keith harring 23 0.14 % 60 zaha hadid 22 0.14 % 61 nouveaux fauves 22 0.14 % 62 vasarely 22 0.14 % 63 ariane art 22 0.14 % 64 zao wouki 22 0.14 % 65 pop art definition 21 0.13 % 66 technisme 21 0.13 % 67 prã©sence panchounette 21 0.13 % 68 oldenburg claes 20 0.12 % 69 les actionnistes viennois 19 0.12 % 70 definition art contemporain 19 0.12 % 71 george mathieu 19 0.12 % 72 mouvement pop art 19 0.12 % 73 christo 19 0.12 % 74 yvaral 19 0.12 % 75 art dictionnary 19 0.12 % 76 site d'artiste 19 0.12 % 77 land art definition 18 0.11 % 78 dadaism 18 0.11 % 79 matthew barney 18 0.11 % 80 malevich 18 0.11 % 81 articles on contemporary art 17 0.10 % 82 art informel 17 0.10 % 83 shiro kuramata 17 0.10 % 84 definition du land art 17 0.10 % 85 art contemporain definition 16 0.10 % 86 botero biographie 16 0.10 % 87 kienholz 16 0.10 % 88 biographie de fernando botero 16 0.10 % 89 mariko mori 16 0.10 % 90 la figuration narrative 16 0.10 % 91 l'art espagnol 15 0.09 % 92 hard edge 15 0.09 % 93 definition du realisme 15 0.09 % 94 hocney 15 0.09 % 95 l'art conceptuel 15 0.09 % 96 tinguely 15 0.09 % 97 definition du pop art 15 0.09 % 98 maruja mallo 15 0.09 % 99 pop art design 15 0.09 % 100 le mouvement pop art échappe au marché, aux lois capitalistes qui proposent puis imposent une allure particulière, des canons, des modèles, des artifices fabriqués de toute pièce pour solliciter et créer une demande de mise en conformité avec ces artefacts avant de mettre en oeuvre ce qu'il faut de marché et de libre échangisme pour satisfaire ces besoins aliénants" note 1 Les Humains Associés : L'événement art plus marquant de ces dernières années, dans art domaine de l'art visuel, est l'extinction des jusqu'à nos l'art, contemporain réel. À partir contemporain moment où tout est devenu visible, où tout est dans la visualité, où toute chose accède à l'image, tout est donc immédiatement matérialisé dans l'image; il y a de moins en moins de place, effectivement, pour une autre symbolique qui toucherait aux formes, qui jouerait avec une forme, une forme de jeu relativement arbitraire qui ne préoccuppent, déplorant l'oubli de la figuration et l'inhumanisation d'un art exclusivement dévolu au vide d'une existence réduite à ses seules composantes matérielles. Je pense, au contraire, que art corps - la figure humaine - reste de nos jours au centre de l'art art corps problématisé Prenant ses distances avec la figuration, l'art contemporain oblitère toute fonction représentatived'un signifié au bénéfice d'une monstration immédiate de l'oeuvre pour elle-même. L'art devient son propre objet, et avec art ready- vivant, mais que ce corps y est problématisé de la même manière qu'est problématisé notre rapport à l'univers de la marchandise. Et la question qui se livre à notre regard est précisément celle de la connivence de l'usage artistique contemporain corps et de l'asservissement de ce dernier, au point que l'on peut ré-interroger - à l'instar des traditions éthico-religieuses qui refusent l'idolâtrie contemporain corps humain - la légitimité morale de la figuration humaine. Je garde en mémoire l'image fugitive d'une photographie de presse, de cette presse à scandale qui sous art prétexte d'en dévoiler la turpitude nous rend voyeur, sinon complice, des crimes de ce monde. L'image est celle de femmes dénudées et littéralement entassées, des prostituées russes réduites à l'esclavage. Immédiatement, l'image renvoie à celle des charniers, mais aussi à celle des abattoirs (n'appelle-t-on pas abattage cet usage sériel contemporain corps prostitué), mettant en évidence la proximité contemporain sexe et de la mort, mais aussi de la chair, contemporain corps et de la marchandise. Indépassable encore à l'horizon de notre fin de siècle, Marx avait mieux que quiconque saisi art rapport entre la chair et la valeur, la médiation passant par l'usage sériel contemporain corps asservi à la machinerie industrielle et économique contemporain capital. Comme l'artiste, art prolétaire informe la matière première lui donner sens, c'est à dire valeur d'usage et valeur marchande, mais si l'artiste se targue de son autonomie petite-bourgeoise, art prolétaire se voit, quant à lui, instrumentalisé, art corps usé à la mesure contemporain temps volé. Et la plus-value ainsi extraite de la chair ouvrière alimente art capital et perfectionne la machine, qui au gré des automatisations et des autorégulations, en arrive à se passer contemporain prolétaire pour devenir, à l'instar de l'humain, autoreproductrice, autonome et autoréférencielle. Au terme contemporain processus, l'exclusion contemporain travail, conjointe à l'expulsion contemporain corps social. Mais nous en sommes pas encore à ce stade de déshumanisation de l'économie : art capital a encore besoin des hommes, comme marchandise, non seulement à titre de "force de travail", de main d'oeuvre salariés, mais aussi - dans un futur assez proche pour en envisager la présence immédiate - comme matière première d'une production que la biotechnologie, art clonage, la reproduction artificielle et la génétique appliquées rendent techniquement possibles. ligature contemporain modèle Michel-Ange Houasse nous peint en 1715 une "Académie de dessin" où l'on voit un modèle masculin poser à l'intention des élèves. L'homme dresse art bras, immobile et soutenu par la ligature d'une cordelette pendue au plafond. Pour réduire la peine de ces poses tétanisantes, art modèle s'aidait de ces suspensoirs, rendant ces scéances académiques parfois proche, visuellement, d'une séance de "bondage" : Vénus aux poignets liés, Eros suspendu en l'air, Mars levant son épée à l'aide d'un harnais... En fait, art modèle est d'emblée ligaturé, il se plie à une volonté externe, celle de l'artiste, qui art manipule et lui fait prendre ces poses convenues que l'art classique impose à ses personnages mythologiques ou historiques. Ce n'est qu'au 19e siècle que la photographie art délivrera de ces supplices. Prendre la pose, c'est se livrer à une théâtralisation de soi : se faire acteur, emprunter la peau d'un autre, faire sienne la pensée d'autrui. Art cabotinage est proche, celle contemporain garçon de café sartrien qui, assumant sa fonction sociale, nie son identité propre, ou plutôt ne l'affirme qu'à travers l'attente d'autrui. L'altérité est au coeur contemporain rapport de l'artiste et son modèle, car ce n'est pas art modèle en soi que cherche art peintre, contemporain moins, avant Monet. La femme ou art garçon qui posent ne sont que les supports, transitoires, d'une fonction sémiotique exprimant pour ainsi dire l'idéal platonicien contemporain beau. Ainsi art modèle humain guide la modélisation de la matéria prima, modélisation qui emprunte les voies idéales contemporain logos et à ce titre, art modèle se trouve être l'instrument passif d'une quête qui lui est proprement étrangère. Il n'empêche qu'une relation concrète se tisse entre art modèle vivant et l'artiste : ce dernier art choisit parmi diverses candidates, à l'instar de Zeuxis qui écarte, d'un revers de main, la jeune femme jugée indigne de la Beauté qu'il veut représenter. On décèle immédiatement la proximité relationnelle entre l'usage contemporain modèle et la prostitution... Que la relation, artistique, au modèle se rapproche suffisamment de la relation charnelle pour que la caresse contemporain peinceau se mue, plus qu'occasionnellement, en caresses de la main est une évidence, mais il ne s'agit pas ici de simple érotisation de la relation entre art peintre et son modèle. Au départ est une sélection, donc une sérialisation des êtres qui se montrent nus, en attente d'être choisis, suivie d'une location contemporain corps qui se prête à la volonté d'autrui, et art symptôme de cette aliénation physique reste, en dépit de tout ce qu'on peut invoquer en matière de convention artistique, art dénudement et l'immobilisation dans la contrainte, à peine allégée par la ligature, d'un temps figé, parce que hétéronome. L'instrumentalisation contemporain corps franchit une étape lorsque Yves Klein utilise ses modèles non plus comme support visuel d'une information, mais comme vecteur physique de son art, qui consistera à imprimer sur la toile l'empreinte corporelle, contemporain modèle couvert de pigment. L'anthropométrie de Klein utilise art corps comme tampon, marque, outil prolongeant la main de l'artiste... il est banal de relever que art modèle devient art peinceau, mais art titre même des oeuvres usant de ce procédé - Anthropométries - nous renvoie à l'objectivation policière des corps - ceux des prévenus ou des condamnés - mesurés, photographiés, imprimés, fichés. Art corps ne conduit plus à une représentation de lui-même mais à une trace, pur signe de la réification : la suite des silhouettes obtenues forgent une sémiotique visuelle nous ramenant à ces stimulis élémentaires qui, conséquence d'une évolution purement physiologique, suscite art regard et les pulsions génésiques. La corporalité animale s'offre à l'évidence ici dans ces représentations anthropométriques où la femme voit son identité sociale, culturelle, réduite à néant au profit de la marque anonyme de ses caractères sexuels secondaires. La maitrise picturale contemporain corps passe par sa connaissance, la conscience intime de ses ressorts internes. Art corps sera donc écorché, dilacéré, dissequé, dépouillé de toute apparence humaine pour devenir pièce anatomique. Que la représentation scientifique en usage chez Ambroise Paré et ses disciples se pare de l'académisme ne relève pas seulement d'une esthétisation contemporain cadavre : l'artiste voulait, par la compréhension de l'anatomie, mettre en évidence la concrétude charnelle des modèles. Une ambiguité semble ainsi traverser l'art figuratif qui, tout en se référant, conceptuellement, à un idéal esthétique, emprunte au monde physique, les formes de son expression sensible. Ce faisant, l'artiste se voit obligé d'entretenir avec art réel un rapport marqué des apories de la représentation : art signe, dans sa concrétude physique mais aussi en ce qu'il induit comme reconstruction catégorielle contemporain monde, établit une distance avec l'être, art voilant, au bénéfice de l'étant, voire contemporain phénomène. L'art se conjugue ainsi avec la science, qui se veut aussi une re-présentation exacte, modélisée, contemporain réel. Est-ce utile dès lors de rappeler comment l'imagerie scientifique a dès la Renaissance marqué l'histoire de l'art ? Art quadrillage contemporain monde, et sa mise en perspective, précède les mensurations anthropométriques dont on trouve les traces aujourd'hui dans les oeuvres de Bacon ou de Velickovic : entre Léonard de Vinci et Bacon, il y a eu, il faut art reconnaitre, la chronophotographie sérialisée de Muybridge ou de Marey, la radiographie et l'imagerie médicale... la microscopie se retrouve, par ailleurs, dans les fresques de Gilbert & Georges. body-art Plus que jamais, l'art se trouve aux prises avec la mort, qu'elle veut vaincre mais ne réussit en fait qu'à la mettre en évidence. Si l'Origine contemporain Monde, de Courbet fait, aujourd'hui encore, scandale, c'est parce qu'elle rappelle crûment notre organicité, notre enracinement dans la physis et par là, notre finitude. Art sexe dévoilé et ouvert tel un sillon, évoque la blessure contemporain scalpel, art traumatisme natal, la scène primitive de la défloration, art viol de la terre. Souffrance et mort avoisine l'extase érotique, ce qui inspire Bataille, mais aussi d'innombrables artistes qui, non contents d'évoquer cette proximité, art mettent en scène dans des performances-limites, expériences où art corps est confronté avec la perspective de sa mutilation. Gina Pane, par exemple, se livre à des autoscarifications, des greffes végétales insérant, sous la peau, des épines de rose, Stuart Brisley se retrouve macérant dans une baignoire souillée de déchets animaux, Nitsch manipule art sang et les viscères de taureaux sacrifiés... ritualisation de soi, ritualisation de la mort, ces performances cherchent à renouer avec l'expérience primitive contemporain sacré, celle d'une initiation qui - afin de transgresser les frontières contemporain visible - impose au corps l'épreuve de la souffrance. Art corps devient, dans art body art, art subjectile où se grave, à même la chair, art logos. La loi, celle contemporain clan, celle de la tribu, s'inscrit dans la circoncision, les scarifications et les tatouages... la modernité réifiant les corps sous l'emprise de la raison technicienne ne fait que prolonger cette inscription charnelle de la Loi - métaphorisée par Kafka dans "la colonie pénitentiaire". On peut interroger l'ambiguité sociale contemporain tatouage : art marquage de la peau est, dans les sociétés urbaines, l'indice d'une stigmatisation sociale. On marque au fer rouge l'esclave comme art bétail, mais aussi art galérien, la prostituée, art condamné à la flétrissure... les exclus sociaux se réapproprient ces ratures contemporain corps en se tatouant et la littérature psychomédicale décrit art cas de masochistes couverts d'obscénités, marquant dans la chair une volonté tenace d'autodénigrement. Autre versant contemporain body-art, est la quête d'identité par l'intégration dans art clan : art tatouage devient un signe d'appartenance contre-culturelle, renouant ainsi avec la pratique première des scarifications claniques. Faut-il voir dans la mode actuelle contemporain body-art, incluant art piercing et art branding (marquage au fer rouge), art symptôme d'une déliquescence sociale où la Loi contemporain clan, inscrite dans la chair et art sang, remplace celle exprimée par art logos, la raison commune dont l'Etat est l'expression historico-sociale ? On relevera la proximité sociologique et historique de la résurgence des idéologies racialisantes, des purifications ethnico-culturelles, avec la pratique - fréquente chez les skinheads ou les hell's angels - contemporain marquage dermique... Art nazisme marquait d'infamie, sur art vêtement et sur la peau, les individus "racialement" impurs dont l'humanité était déniée : l'étoile vestimentaire précédent et accompagnant ensuite art tatouage concentrationnaire sur art bras. A l'inverse, art tatouage d'aujourd'hui, ceux des rockers et des jeunes pas toujours marginalisés - trop souvent perçu comme une mode anodine - s'avère symboliquement comme l'expression d'un retrait, social, par rapport à la Loi : art jeune tatoué ne s'exclut pas de l'humanité, loin s'en faut, mais il se définit, irréversiblement, comme l'Autre de la communauté dont il fait partie. L'altérité art désigne d'office comme suspect, sinon marginal... et cette distanciation par rapport à la Loi, celle de l'Etat où il vit, s'opère au profit d'une intégration sociale de nature clanique, primitiviste... on se rencontre, on se reconnaît entre tatoués, au corps illustré de dessins appartenant à un patrimoine graphique commun. Nous sommes ici en présence d'un symptôme, certes incontrôlable en raison de la liberté individuelle, d'une contre-modernité idéologique : la conscience de soi s'acquérant non plus dans art partage rationnel d'une parole commune mais dans la concrétude physique et charnelle d'un corps marqué et auto-stigmatisé. La sculpture de soi fait partie intégrante de l'art corporel, comme la manifestation d'un dandysme radical. Anarchiste, art dandy vit par soi et pour soi, choisissant d'esthétiser son existence, c'est-à-dire, de se dégager aristocratiquement des contraintes économiques et de la morale contemporain sacrifice qui les sous-tend, tout en se forgeant une identité sociale par art biais d'une maitrise comportementale rigoureuse. L'esthétisme corporel et vestimentaire se conjugue avec art culte de la sensation, de l'expérience inédite, dans une démarche confine tout naturellement dans la transgression nietzschéenne des valeurs, la vie elle-même devient un jeu de signes et de langages, art terreau d'une virtuosité pure dont la légitimité ne réside qu'en elle-même. Mais au raffinement fin de siècle contemporain dandy, on pourra opposer art body building : asservissement mécanique contemporain corps - vu ici comme pure mécanique osseuse et musculaire - dans une perspective d'accroissement de la résistance physique. La musculation est d'essence prolétarienne, comme en témoigne les figurations ouvrières contemporain réalisme socialiste : la force de travail se doit d'être athlétique. Et l'on pourra ressentir dans les salles de musculation, équipées de poids, contrepoids, leviers et poulies, l'équivalent hygiénique des jeux de bielles et de piston qui entrainent art corps ouvrier dans la cadence "infernale" des cycles économiques. Art corps contemporain gymnaste est un corps résistant, musculeux parce que productif... la force de travail s'acquiert dans la souffrance, celle-là même assumée sous art couvert d'une dénégation virile, par Jünger qui voyait dans l'abnégation sacrificielle contemporain peuple allemand la condition de son héroïsme historique. Au terme contemporain processus, les masses avancent au pas cadencé, gesticulant en rythme parfait, agençant dans l'espace les corps comme les esprits au gré des stratèges politiques et militaires : l'art contemporain corps se collectivise dans ces représentations de masse que furent les jeux et assemblées de Nuremberg, mais aussi les défilés et spectacles gymniques de Moscou, Pékin ou Cuba... L'asservissement prolétarien des corps instrumentalisés a son pendant bourgeois : l'hygiénisme puritain contemporain jogger, plus soucieux de sveltesse que de musculation, témoigne de cette tyrannie de la beauté qui rélègue l'obèse candidat aux souffrances cardiovasculaires comme art freluquet asthénique potentiellement dépressif aux marges de la réussite sociale. L'entreprise, qui a besoin de cadres dynamiques et résistants aux stress, expulse volontiers ceux que les écarts tabagiques et nutritionnels prédestinent aux absences médicales. Ainsi art corps devient objet de marchandising. En premier lieu parce que l'hygiène privée dont il fait l'objet est l'occasion d'un équipement, mécanique, médical, sportif constituant un secteur économique des plus rentables : il ne suffit plus de courir en pleine nature, il faut se vêtir en conséquence, s'équiper de chaussures testées en laboratoire, se nourrir d'aliments médicalement dosés et ingurgiter les désaltérants les plus efficaces... La technique, et l'on pense aussi à la chirurgie esthétique, impose au corps ses lois, selon art modèle esthétique induit par art regard de l'autre. Celui qui recourt à la chirurgie plastique, en dehors de toute réparation, vise une conformité contemporain corps et d'une image, mais d'où peut venir cet image sinon d'une normalisation sociale de ce qui est "présentable" ou non. L'absence de rides, la minceur contemporain ventre, l'opulence de la poitrine deviennent, pour de nombreuses femmes, des atouts de séduction et, de plus en plus souvent, de promotion sociale. La libération de la femme, la projetant de plein pied sur art marché contemporain travail, impose de nouvelles aliénations et, l'asservissement esthétique - qui rejette la laideur en bas de l'échelle sociale - se manifeste, pour les dames, par une patiente domestication de la chair, des régimes alimentaires, massages, corsetages, hydrothérapies, prothèses et accessoires de contention contribuaient au siècle dernier, en même temps que les règles de bienséance, à imposer aux corps la tenue signifiant la dignité sociale de la bourgeoisie. Faire-valoir de l'époux, la bourgeoise se devait de plaire pour représenter. L'intégration féminine dans art monde contemporain travail n'a pas réellement modifié cette servitude, de sorte que art besoin esthétique s'est accru au point de banaliser la chirurgie plastique de pure convenance. la transgression chirurgicale La chirurgie offre de nouveaux espaces d'expression : tel est art défi lancé par Orlan, qui y recourt en toute lucidité, d'une manière théatralisée et ritualisée, pour modeler son corps selon les canons esthétiques présents dans l'histoire de l'art. Il y a dans son entreprise une volonté quasi prométhéenne d'outrepasser les déterminations physiques, celles imposées par l'hérédité. Mais Orlan transgresse aussi les conventions sociale de l'esthétisme corporel : la modélisation de son visage ne vise pas à rétablir une beauté faussement "naturelle" : redoublement des pommettes, poses de prothèses osseuses, allongement contemporain nez, transforment un visage en toute indépendance. Pour Michel Onfray, art corps d'Orlan répondrait que de lui-même, etc. Ça c'est très, très difficile aujourd'hui; malheureusement la disparition des avant-gardes, ne signifie pas la disparition des arrière-gardes, c'est plutôt même art triomphe, d'une certaine façon, de l'arrière-garde... Mais ce ne sont pas des groupes, c'est art fait que l'art entier se trouve lui aussi assigné à récapituler un peu toutes les formes antérieures, à refaire l'histoire de l'art à l'envers et à gérer tout son passé, ça c'est un problème au fond. Connors appelait cela art rapt de l'art moderne, c'est-à-dire cette façon de reprendre toutes les formes dans une juxtaposition, une mosaïque chaotique. Par exemple en mettant dans un même tableau la femme contemporain Déjeuner sur l'herbe et les Joueurs de cartes de Cézanne. Bref, on peut faire n'importe quoi sur art mode relativement ludique, ironique. Cette forme de résurrection post-moderne - telle que l'ont pratiquée les simulationnistes de New York, qui ont tellement pris ce simulacre et la simulation pour référence, qu'ils n'ont fait que gérer la peinture comme une machine contemporain simulacre, une pure référence avec elle-même - a, d'une certaine façon, là aussi perdu sa finalité. Donc la distinction entre l'art et la production d'images communes, banales, est de moins en moins nette. Art seul au fond à avoir pris acte et à gérer avec radicalité cette banalisation totale de l'esthétique, à être passé de l'autre côté de l'esthétique, c'est Warhol. À mon avis, en dehors de lui, on a affaire à toutes sortes de formes artistiques, esthétiques, qui, quelque part aujourd'hui, sont plus animées par la désillusion. On a l'impression que même les artistes ne croient plus à l'illusion esthétique, que l'illusion esthétique est morte, qu'ils sont en train de gérer la décomposition de leur propre instrument de vision. Disparition de l'art, dont la fin déjà annoncée par Hegel date de loin. La disparition de la dimension esthétique, cet événement a été géré pendant, disons, un siècle et demi. Tout l'art moderne est l'histoire d'une disparition, d'une destructuration, d'une déconstruction de l'art. Mais maintenant c'est fini, art processus est arrivé au-delà de son terme, nous sommes aussi au-delà de la fin. Maintenant, nous ne sommes plus qu'en train de recycler. Recycler effectivement les vestiges des formes passées, c'est l'impression que cela me donne, à part sans doute quelque exceptions. Mais art problème contemporain passage au-delà de l'esthétique est: qu'y a-t-il au-delà de l'esthétique? Y-a-t-il encore une illusion autre que l'esthétique ? Mais paradoxalement, cet échappatoire fait contemporain corps un objet fabriqué, un objet technique, modifié artificiellement par les techniques de pointe. Ici, art corps devient, délibérément et volontairement dans art cas de Orlan, un produit. Certes, l'épreuve - car c'en est un - qu'Orlan s'impose et nous impose nous questionne sur nos propres limites, mais peut-on ici entrevoir art devenir, tout proche, de l'humain potentiellement amené au statut de produit technologique ? D'une certaine manière Orlan rejoint l'utopie extropienne, celle d'un surpassement de la condition humaine par la transformation contrôlée de l'organisme. Si les extropians rêvent de l'immortalité physique et se font cryogéniser en conséquence, s'ils escomptent sur la nanotechnologie et la cybernétique, associée à l'intelligence artificielle pour accroitre leurs potentialités physiques et mentales, ils négligent peut-être les conséquences sociales d'une telle entreprise, dans les conditions actuelles de la répartition des rôles économiques. En se transformant, physiquement, l'homme perd son statut de sujet pour devenir objet - produit conçu en fonction d'une valeur d'usage et peut-être marchande. En tout cas, il s'avèrerait d'ore et déjà - bien qu'il ne s'agit sans doute que d'une rumeur - que des organes soient prélevés sur réification pour art bénéfice de chirurgiens tout dévoués aux maîtres contemporain monde. Gardant en mémoire les faits divers relatifs à l'usage marchand des corps d'enfants et de femmes contemporain tiers-monde, nous persisterons à voir en les pratiques d'une bourgeoisie cyniquement mafieuse les manifestations d'un néode l'artiste qui affiche clairement son statut de marchandise... non pas tant qu'il veuille les corps (vivants parfois) de pauvres - ceux d'Amérique latine - ou de prisonniers - Chinois en l'occurrence - -esclavagisme. l'oeuvre d'art, la sculpture humaine pourrait fort bien, avec art clonage et les manipulations génétiques, de la transgression : c'est là toute la liberté de l'artiste et sa légitimité. Mais si l'art, comme l'industrie l'artiste s'offre au regard d'autrui de la même manière que l'esclave ou art prostitué : enfermement en cage, contemporain prolétaire., forge l'homme à son image, n'assistons-nous pas ici à l'émergence d'une idolâtrie - terme que nous accepterons dans son sens étymologique et non religieux , un culte de l'image - contemporain corps ? Devrions-nous, avec les abstraits Tout comme qu'il a pleine conscience que les rapports enchainement, suspension dans art vide, ligature contemporain corps... autant de signes d'une aliéner sa liberté, mais parce En se posant comme objet accéder à l'ère de la reproduction mécanisée. Au profit de quelle esthétique ? Ce n'est pas en vertu de ce moralisme décrié par Onfray qu'il convient d'interroger cette potentialité : l'art contemporain, pose la question des limites et d'art, président à la fonction sociale de l'artiste fait de lui un prostitué, à l'instar marchands qui, les conceptuels, les minimalistes, les informels, donner gré à l'iconoclasme, pour déréifier l'homme corporel et réhabiliter sa parole ? Art travail artistique sur art corps nous conduit aussi à une autre question, qui est celle de l'identité humaine et de son rapport au Logos. L'homme est homme parce qu'il parle, et en parlant, forge les conventions rationnelles qui régissent son être social. Animal politique, l'homo sapiens trouve son identité dans la loi, c'est-à-dire dans art logos légitimations par nous prévaloir ces nouvelles sangles qui corsettent l'esprit en l'inscrivant dans la chair, nous liant à tout jamais d'une esthétisation de la vie sociale porté au paroxysme d'une réification collective d'un peuple volonté de modelage délire raciologique inscrivant l'identité humaine hors contemporain logos, l'inscrivant dans commun. Les drames contemporain XXe siècle montrent les désastres produits par art notre fidélité à la raison, celle qui se montre capable de suspendre nos matériau, mais l'humanité elle-même dont une part fut sacrifiée comme rebut. Qu'en sera-t-il avant-gardes, nées historiquement de la disparition de l'acheteur. Peut-on se demander, quel est art rôle de l'art c'est qu'il se trouve affronté à un statut de l'image qui lui a échappé, c'est-à-dire ce qu'il pouvait y avoir justement dans l'art, la puissance de l'illusion dont nous parlions tout à l'heure, cette possibilité de défier art réel, de créer une autre scène que celle visuel dans un monde qui gît sous art triomphe de l'image "indifférente" ? jours, sur les corps ? Dénierons-nous collectif des corps : l'eugénisme nazi relève, au-delà de ses la chair devient individu qui dans un monde homogénéisé par la rationalité Jean Baudrillard :Oui, tout art problème de garder en l'esprit que l'utopie nazie marque une pseudo-scientifiques, désirs et nos passions pour assigner des limites à nos actes ? Ou laisserons-qui prévalent lorsque la technique triomphante, enfermant chacun dans son destin biologique. Nous devons marchande agira, sans les entraves morales son identification raciale. Ce n'est plus tel ou tel à la dictature d'un corps objectivé, réifié, et instrumentalisé par une quelconque irrationnalité technicienne ? la Vénus de Lespugue (équivalence entre effets plastiques et effets physiques - comment accéder à tous les exemples d'effets plastiques décrits dans art site - différence entre les effets paradoxaux analytiques et ceux synthétiques - notion de paradoxes d'état et de paradoxes de transformation) Fondation Cartier pour l'art contemporain Fondation Cartier pour l'art contemporain - Paris, France. Fondation culturelle privée, dont la vocation est la promotion et le soutien de la création contemporaine au travers d'une collection, des expositions des spectacles, des editions, et des animations. cartier, cours, course, oeuvres, work of art, concert, jean nouvel, enfants fondation, foundation, art, contemporain contemporary, batiment, building, jardin garden, paris, capitale, culture, artiste institution, artist, mecenat, sponsorship arts visuels, visual arts, arts plastiques arts vivants, living arts, exposition exhibition, collecion, peinture, painting sculpture, dessin, drawing, photographie photograph, video, cinema, performance performing art, danse, dance, musique music, theatre, theater, design, stylisme fashion design, architecture, architectur publication, catalogue, librairie, bookshop, soiree, night, nomade, nomadic creation, commande, commission, edition publication, france, musee, museum montparnasse, prive, private, cedre cedar, conference, lecture, conservateur curator Musée d'art contemporain de Montréal Le Musée d'art contemporain de Montréal présente des expositions pour découvrir les grands courants de l'art contemporain et propose de nombreuses activités pour développer vos connaissances et votre créativité. Peinture, sculpture, installation vidéo d'art, nouveaux médias art contemporain, contemporary art, art montreal, montreal art, art Montréal exposition montreal, montreal exposition tourisme montreal, montreal tourism peinture montreal, montreal painting culture montreal, montreal culture musée d'art contemporain de montréal musee d'art contemporain de montreal artcité, artcite, arcité, artcite, musee art contemporain montreal, musée d'art contemporain, musee art contemporain musee d'art montreal, musee montreal art contemporain montreal, musée, musee macm, macm.org, MACM, musee montreal beaux arts montreal, musee art, art moderne montreal, montreal museum of contemporary art, museum, museum of contemporary art, museum of montreal montreal museum of art, museum of art art museum, montreal contemporary art montreal museum of modern art, montreal museum of fine art, montreal museum contemporary art gallery, contemporary art museum, canadian contemporary art exhibitions, art exhibitions, montreal exhibitions, exhibition place montreal exhibition center, artimage index Centre international d'art contemporain de Montréal (CIAC) Le Centre International d'Art Contemporain de Montréal (CIAC) est l'hôte de La Biennale de Montréal. IAC - Institut d'art contemporain / Frac-Rhône-Alpes / Nouveau-Musée IAC - Institut d'Art Contemporain - Villeurbanne - Fonds Régional Art Contemporain Frac Rhône-Alpes - Lyon, France - Le Nouveau Musee frac,Frac,frac rhône alpes,art,art contemporain Villeurbanne,Lyon,lyon,Art,Centre d'Art centre d'art,French Contemporary Art New Museum,Le Nouveau Musée,le nouveau musée,Le Nouveau Musee,le nouveau musee I.A.C.,i.a.c.,IAC,iac,Institut Art Contemporain INSTITUT D'ART CONTEMPORAIN,Institut d'Art Contemporain,institut d'art contemporain Côté Sud,Délégation aux Arts Plastiques délégation aux arts plastiques, D.A.P. DAP, Delegation Arts Plastiques, Delegation aux Arts Plastiques, delegation aux arts plastiques,DRAC,drac,Ministère de la Culture et de la Communication Ministere Culture et de la Communication Ministere Culture,aernout mik,alan charlton alessandra tesi,augusto alves da silva benoît baud,bernar venet,bertrand lavier cécile bart,carl andre,cecile bart,claude rutault,daniel buren,danielle cohen levinas,didier vermeiren,douglas gordon eija-liisa ahtila,entschuldigung,eulàlia valldosera,felice varini,fonds régional art contemporain,frac,frac,françois morellet,france,fred sandback,gérard collin thiébaut,georgina starr,gillian wearing,gottfried honegger,grazia toderi jerome basserode,jérôme basserode,jean claude conésa,jean claude conesa,joõa tabarra,jordi colomer, josé maldonado joseph kosuth, krijn de koning, laurence wiener, lawrence wiener, les ready made appartiennent à tout le monde,liliana moro,martha rosler,maxime matray,michel verjux,miguel palma,niele toroni,on kawara,pascal convert,patrick ferragne peter downsbrough,philippe parreno, philippe thomas,pierre huyghe,pierre huygue,pierre joseph,rhône alpes,rhone alpes,richard serra,robert barry,sam samore,sol lewitt,tony oursler,véronique joumard,vanessa beecroft,veronique joumard willie doherty,xavier veilhan,barbara bloom,rodney graham,leonel moura,shirin neshat,pipilotti rist,diana thater,alighiero boetti,et l'art se met au monde,jean-michel basquiat,joseph beuys,alighiero boetti gunter brus,michael buthe,james lee byars,nicolas cisse,robert filliou,frères lumière,ana mendieta,mario merz,otto mühl,gina pane,lygia pape, pier paolo pasolini, arthur r. penck, joachim pfeufer giuseppe pinot gallizio, man ray,jean rouch, rudolf scharzkogler,ushio shinohara malick sidibé,fiona tan,antoni tàpies jean tinguely,art africain,art colonial ant farm,archigram, architecture principe archizoom,raimund abraham,andrea branzi remo buti,coop himmelblau,franùois dallegret ricardo dalisi,pietro derossi,peter eisenman,heinz frank,piero gilardi,gruppo cavart,gruppo strum,haus-rucker-co,hans hollein,elfried huth et gänther domenig rem koolhaas,elia zenghelis,ugo la pietra fantisek lesak,missing link,alessandro mendini,onyx,gaetano pesce,gianni pettena walter pichler,max peintner,franco raggi ettore sottsass jr,street farmer,friedrich st florian,studio 65, superstudio,mario terzic,ufo,utopie,john baldessari,fiona banner,joîl bartolomúo,michel blazy raphaîl boccanfuso,christine borland marcel broodthaers,roderick buchanan angela bulloch,sophie calle,maurizio cattelan,adam chodzko,claude closky jeanne dunning,hubert duprat,eric duyckaerts annika eriksson,milo garcia,general idea,liam gillick,douglas gordon,rodney graham,joseph grigely,grout/mazúas,graham gussin,henrik hakansson,noritoshi hirakawa carsten hûller,pierre huyghe,aleksandar ilic,wendy jacob,ann veronica janssens pierre joseph,mike kelley,david lamelas matthieu laurette,louise lawler,marie legros,ann lieslegaard,fiorenza menini jonathan monk,valúrie mrújen,gabriel orozco,guillaume paris,philippe parreno joao penalva,daniel pflumm,jozef robakowski alain súchas,roman signer,andreas slominski nedko solakov,kristina solomoukha, simon starling,apolonija susterzic,rirkrit tiravanija,grazia toderi,uri tzaig,inez van lamsweerde,marijke van warmerdam xavier veilhan,david vincent,annika von hausswolf art-contemporain.eu.org Magasin - Centre National d'Art Contemporain Biennales de Lyon Festivals Internationaux de Lyon et Rhone Alpes - Biennales de Lyon - 4ème Biennale de Lyon d'Art Contemporain 1997 - 5ème Biennale de Lyon d'Art Contemporain 2000 - 8ème Biennale de la Danse 1998 - 9ème Biennale de la Danse 2000 Art contemporain, danse, biennale, lyon exposition, culture, événement, méditerranée autre, Contemporary art, dance, biennial lyon, exhibition, culture, event, mediteranean, otherness, routes de la soie, Expositions Paris Art Contemporain - Musées Expos artistes Galeries Contemporary art gallery Paris-art.com - Art Contemporain à Paris : Musées Galeries Expositions Paris. Art peinture sculpture photo plastique pop nouveau electronic moderne appliqué virtuel. Actualités artistes débats sur le contemporary art gallery in Paris (contemporain). art contemporain,Art,Contemporain,Paris Galerie,Galeries,Musée,Musées,musee peinture,sculpture,photo,plastique,pop nouveau,electronic,moderne,appliqué virtuel,virtuelle,contemporary art,contemporary in Paris,in,art gallery,Gallery,Rouillé André Rouillé [Agenda culturel pour les jeunes - France 5] Comprendre l'histoire de l'art Il est conseillé de passer d'abord par l'analyse de la Vénus de Lespugue contemporain prélude initiatique, mais ce n'est pas indispensable. Vous pouvez aussi accéder aux analyses à partir d'autres pages 1- accès chronologique complet vers les principales filières de civilisation Toutes les étapes contemporain paléolithique disposent de plusieurs analyses complètes, accompagnées de croquis explicatifs. Les autres périodes sont, pour art moment, traitées de façon plus lacunaire. art_histoire_b00_0000.htm" hspace=3 src="nautilr.GIF" width=18 border=0art_histoire_b00_0000.htm la période préhistorique paléolithique : environ de - 40 000 à - 8 000 avant J.C. art_histoire_b00_0000.htm - 22" hspace=3 src="nautilr.GIF" width=18 border=0art_histoire_b00_0000.htm - 22 la période néolithique jusqu'au début de l'âge contemporain bronze : environ de - 6 000 à - 2 000 avant J.C. art_histoire_c00_0000.htm" hspace=3 src="nautilr.GIF" width=18 border=0art_histoire_c00_0000.htm de l'âge contemporain bronze à la fin contemporain moyen âge : environ de - 2 000 avant J.C. au 14ème siècle après J.C. art_histoire_d00_0000.htm" hspace=3 src="nautilr.GIF" width=18 border=0art_histoire_d00_0000.htm époques récentes : environ contemporain 15ème siècle au 19ème siècle art_histoire_d30_0000.htm" hspace=3 src="nautilr.GIF" width=18 border=0art_histoire_d30_0000.htm la période moderne puis contemporaine Tableaux récapitulatifs de toutes les étapes, avec à chaque fois l'association des paradoxes qui lui correspond : art_theorie_01.htm" hspace=3 src="nautilr.GIF" width=18 border=0art_theorie_01.htm celui de l'évolution des arts plastiques (des liens en haut contemporain tableau donnent accès au même découpage que ci-dessus) art_theorie_02.htm" hspace=3 src="nautilr.GIF" width=18 border=0art_theorie_02.htm celui de l'évolution de la musique (des liens internes au tableau donnent un accès direct aux analyses musicales) 2- la période médiévale en occident, et correspondance avec les autres civilisations Les 3 premières études envisagent les étapes de l'évolution l'une après l'autre dans plusieurs filières de civilisation, tandis que la dernière propose une sorte de "coupe" qui montre la même étape dans plusieurs filières. En supplément, la 1ère étude montre l'évolution simultanée de la musique. tablomoyenage.htm" hspace=3 src="nautilciel.GIF" width=18 border=0tablomoyenage.htm mise en parallèle de l'évolution de l'architecture et de la musique dans l'occident médiéval " hspace=3 src="nautilciel.GIF" width=18 border=0 la même évolution, mais un peu plus en avance dans la filière musulmane (étude non disponible pour art moment) " hspace=3 src="nautilciel.GIF" width=18 border=0 la même évolution, mais encore plus précoce dans la filière indienne (étude non disponible pour art moment) " hspace=3 src="nautilciel.GIF" width=18 border=0 l'équivalent de l'étape gothique occidentale dans plusieurs autres filières de civilisation : musulmane, Afrique noire, Russie orthodoxe, Chine, Japon, Inde, kmère (étude non disponible pour art moment) 3- la période moderne puis contemporaine en occident Ces analyse sont en cours de préparation. En principe, elles correspondront aux prochains textes mis en ligne. " hspace=3 src="nautilj.GIF" width=18 border=0 la peinture et la sculpture, de l'impressionnisme à Christo (étude non disponible pour art moment) " hspace=3 src="nautilj.GIF" width=18 border=0 l'architecture, de l'Art Nouveau aux dernières tendances actuelles (étude non disponible pour art moment) 4- textes polémiques polemique_art_02.htm" hspace=3 src="nautiljaune.GIF" width=18 border=0polemique_art_02.htm à propos de "architecture gothique et pensée scolastique" de Erwin Panofsky polemique_art_01.htm" hspace=3 src="nautiljaune.GIF" width=18 border=0polemique_art_01.htm pour en finir avec les "Arts Premiers" Autres pages d'accès vers les mêmes analyses art_accueil.htm" src="nautile.GIF" width=30 border=0art_accueil.htm Une histoire de l'art cette page propose un accès à l'ensemble des analyses à partir d'un découpage strictement chronologique (sur la droite de la page), accompagné d'un accès direct aux principaux textes théoriques (à gauche de la page) et aux principaux tableaux récapitulatifs (en haut à droite). En bas, un accès à toutes les autres sections contemporain site Quatuor permet de l'utiliser comme page d'accueil alternative pour l'ensemble contemporain site. Architecture.htm" src="nautilgri.GIF" width=30 border=0Architecture.htm Section architecture cette page permet un accès direct à chacune des analyses concernant des oeuvres d'architecture. art_theorie_03.htm" src="nautilrose.GIF" width=30 border=0art_theorie_03.htm liste des effets plastiques paradoxaux à partir d'un tableau regroupant les 16 paradoxes, vous pouvez accéder à la liste de tous les effets plastiques qui sont associés à chacun, puis aux exemples de tels effets contenus dans les analyses, puis enfin remonter à l'analyse dont l'exemple est tiré. Eclairages théoriques art "noyau de la théorie" est regroupé dans la partie -2- 1- les étapes successives qui scandent l'évolution de la complexité 2- la succession des paradoxes et de leurs combinaisons (art "noyau de la théorie") a 3- l'étude plus approfondie de chacun des 16 paradoxes tablo164.htm" hspace=3 src="nautiljaune.GIF" width=18 border=0tablo164.htm art tableau des 16 paradoxes et de leurs 4 cycles : il permet d'accéder individuellement aux textes concernant chacun des paradoxes (art phénomène physique caractéristique contemporain paradoxe, sa traduction dans l'histoire de la société, l'effet correspondant en architecture et dans les arts plastiques, l'effet correspondant en musique) et aux textes concernant chaque cycle de 4 paradoxes. tablo160.htm" hspace=3 src="nautiljaune.GIF" width=18 border=0tablo160.htm art tableau simplifié des 16 paradoxes : liste des paradoxes, avec justification de leurs symboles graphiques. parahA0.htm" hspace=3 src="nautiljaune.GIF" width=18 border=0parahA0.htm art 1er paradoxe - son phénomène physique caractéristique - sa traduction dans l'histoire de la société : depuis ce texte un lien permet de passer au texte correspondant pour art 2ème paradoxe, et ainsi de suite. Pour un accès direct à l'un quelconque des paradoxes, utilisez art "tableau des 16 paradoxes et de leurs 4 cycles" mentionné plus haut. paracy0.htm" hspace=3 src="nautiljaune.GIF" width=18 border=0paracy0.htm art 1er cycle des paradoxes - comment construire un paradoxe par combinaison de trois autres paradoxes : depuis ce texte des liens permettent d'accéder directement aux 3 autres cycles, mais pour y accéder vous pouvez aussi utiliser art "tableau des 16 paradoxes et de leurs 4 cycles" mentionné plus haut. exArA0.htm" hspace=3 src="nautiljaune.GIF" width=18 border=0exArA0.htm l'architecture de la Renaissance à aujourd'hui : l'évolution de l'architecture est art prétexte pour étudier successivement les effets plastiques de chacun des 16 paradoxes, puisque chacun prend tour à tour de l'importance au fur et à mesure que art société évolue depuis la Renaissance. Art lien donne accès au 1er paradoxe (époque maniériste de l'architecture), mais vous pouvez accéder directement à chacun des 16 paradoxes en utilisant art "tableau des 16 paradoxes et de leurs 4 cycles" mentionné plus haut. synthese_science_art_architecture_musique.htm" hspace=3 src="nautiljaune.GIF" width=18 border=0synthese_science_art_architecture_musique.htm fiches de synthèse : pour chacun des 16 paradoxes, une description résumée et un résumé des effets plastiques et musicaux qui y sont associés. 4- autres textes art_gothique_14eme_01.htm" hspace=3 src="nautilrose.GIF" width=18 border=0art_gothique_14eme_01.htm un bouquet de roses gothiques : une vue d'ensemble de l'évolution de la complexité de la société sur plusieurs siècles, à l'occasion principalement de la présentation de l'évolution contemporain motif de la rose aux époques gothiques successives. paradia.htm" hspace=3 src="nautilrose.GIF" width=18 border=0paradia.htm les "diagonales" selon lesquelles évoluent art fonctionnement propre aux combinaisons de paradoxes : pour art moment ce texte ne traite que contemporain fonctionnement des combinaisons de paradoxes d'état. Pour un développement plus complet, se reporter au "noyau de la théorie". paradif.htm" hspace=3 src="nautilrose.GIF" width=18 border=0paradif.htm différence et décalage entre architecture et musique : même remarque que pour les "diagonales" envisagées ci-dessus. 5- petit lexique art_theorie_35.htm" hspace=3 src="nautilgri.GIF" width=18 border=0art_theorie_35.htm effet analytique et effet synthétique (dans art cas des arts plastiques) paramus.htm - analysynthétique" hspace=3 src="nautilgri.GIF" width=18 border=0paramus.htm - analysynthétique effet analytique et effet synthétique (dans art cas de la musique) art_theorie_36.htm" hspace=3 src="nautilgri.GIF" width=18 border=0art_theorie_36.htm paradoxes d'état et paradoxes de transformation art_theorie_37.htm" hspace=3 src="nautilgri.GIF" width=18 border=0art_theorie_37.htm art "fonctionnement" des paradoxes aux périodes récentes ...La "participation" contemporain spectateur, thÈorisÈe par les happenings et les performances fluxus, devient une constante basique de la pratique artistique. Art "coefficient d'art' de Marcel Duchamp...se rÈsout aujourd'hui dans LA CULTURE DE L'interactivitÈ qui pose la transitivitÈ de l'objet culturel comme un fait accompli. ...L'Èmergence de nouvelles activitÈs type internet & cdrom indique un dÈsir collectif de crÈer de nouveaux espaces de convivialitÈ et d'instaurer de nouvelles transactions face ý l'objet culturel : ý la 'sociÈtÈ contemporain spectacle' succËderait donc la sociÈtÈ des figurants... Quels pourraient Ítre la place, et surtout art projet de l'art contemporain dans cette nouvelle configuration culturelle ? La transivitÈ n'est pas une invention rÈcente, mais une propriÈtÈ concrËte de l'oeuvre d'art...cette notion de transitivitÈ nie l'existence d'un "lieu de l'art" spÈcifique au profit d'une discursivitÈ ý jamais inachevÈe. C'est contre cette conception fermÈe de la pratique artistique que s'insurgeait dailleurs J.L Godart, expliquant "qu'il faut Ítre deux pour une image". cette proposition postule que art dialogue est ý l'origine mÍme contemporain processus de constitution de l'image. Au dÈpart de celle-Ái, il faudrait donc dÈjý nÈgocier, prÈsupposer l'autre ? Toute oeuvre d'art pourrait ainsi se dÈfinir comme un objet relationnel, comme un lieu gÈomÈtrique d'une nÈgociation avec d'innombrables correspondants et destinataires. ...Il nous apparaÓt possible de rendre compte de la spÈcificitÈ de l'art actuel ý l'aide de la notion de production de relations externes au champ de l'art : relations entres individus ou groupes, entre l'artiste et art monde, et par transitivitÈ, relations entre art regardeur et art monde; Grace ý Pierre Bourdieu, nous avons appris ý considerer art monde de l'art comme "espace de de relations objectives entre des positions"... Art monde de l'art, comme tout autre champ social, est par essence relationnel dans la mesure o˜ il prÈsente un "systËme de positions diffÈrentielles" qui permet sa lecture. Les dÈclinaisons de cette lecture "relationnelle" sont multiples. (Exemple : Cercle Ramo Nash affirme " C'est l'art qui fait l'art, pas les artistes", ceux-ci n'Ètant rien d'autre que des instruments inconscients au service de lois qui les dÈpassent...) Nous pensons que art rÈseau "Art" est poreux, et ce sont les rapports de ce rÈseau avec l'ensemble des champs de production qui dÈterminent son Èvolution. Il serait dailleurs possible d'Ècrire une histoire de l'art qui serait l'histoire de cette production de rapports au monde, posant trÈs simplement la question de la nature des relations externes inventÈes par les oeuvres. Tableau historique : - art monde transcendant : art visant ý Ètablir communication avec des dieux puis l'Art explore les relations existant entre l'hmme et art monde (Rennaissance et la perspective ou art rÈalisme anatomique) Art dernier mouvement qui rendit compte de notre rapport objectal fut art cubisme... ...mais, pour l'essentiel, l'histoire de l'art n'est autre que celle des successifs champs relationnels exterbes relayÈs par des pratiques qui sont determinÈes par l'evolution interne ce ces champs: elle est l'histoire de la production la production des rapports au monde tels qu'ils sont mÈdiatisÈs par une classe d'objets et des pratiques spÈcifiques. Or, cette histoire semble avoir pris aujourd'hui un nouveau tour : aprÈs art domaine des relations entre humanitÈ et divinitÈ, puis entre l'humanitÈ et l'objet, la pratique artistique se concentre sur la sphËre des relations inter_humaines. ...l'artiste se focalise sur l'invention de modËles de socialitÈ...et au-delý contemporain caractËre relationnel intrinsËque de l'oeuvre d'art, les figures de rÈfÈrences de la sphËre des rapports humainssont dÈsormais devenues des formes artistiques ý part entiËre...l'ensemblle des modes de la rencontre et l'invention de relations reprÈsentent aujourd'hui des objets esthÈtiquessusceptibles d'Ítre ÈtudiÈs en tant que tel, Tableaux et sculptures n'Ètant ici considÈrÈes que comme les cas particuliers d'une productionde formes qui vise bien autre chose qu'une simple consommation esthÈtique. · LA FORME ET ART REGARD Selon la formule de Serge daney : Toute forme est un visage qui nous regarde? Qu'est-ce qu'une forme qui serait relationnelle ? ...on ne peut plus nier qu'une idÈologie formelle spÈcifique se dÈveloppe ý travers les pratiques artistiques contemporaines, idÈologie qui dÈnie ý la forme tout caractere d'absolue ou de finitude, pour la rapporter au contraire ý des notions dynamiques, transitives, en un mot relation-nelles. ... Plus que de 'formes', on devrait parler de 'formations' : ý l'opposÈ d'un objet clos sur lui mÍme par entremise d'un style, l'art actuel montre qu'il n'est de forme que dans la rencontre, dans la relation qu'entretient une proposition artistique avec d'autres formations, artistiques ou non . ...mais c'est notre regard qui crÈe la forme en la dÈcoupant dans art visible... Les formes se dÈveloppent les unes ý partir des autres dans une logique relation-nelle et conquÈrante; Selon Gombrowicz, chaque individu gÈnËre sa propre forme par son comportement, sa maniËre de se prÈsenter et de s'adresser aux autres. il naÓt donc de "l'interhumain". ... Notre idÈe est que la forme ne prend sa consistance (et n'acquiert une rÈelle existence) qu'au moment o˜ elle met en jeu des interactions humaines...l'essence de la pratique artistique serait ainsi l'invention de relations entre des sujets...et art travail de l'artiste un faisceau de rapports avec art monde qui gÈnÈrerait d'autres rapports, ý l'infini. l'intersubjectivitÈ, dans art cadre d'une thÈorie "relationniste" de l'art ne reprÈsente plus seulement art cadre social de la rÈception de l'art qui constitue son "milieu", son champs (bourdieu) mais devient l'essence mÍme de la pratique artistique, l'espace thÈorique dans lequel celle-ci se situe. ...art visage, affirme LÈvinas, c'est ce "qui m'ordonne de servir autrui" Daney : la forme, dans l'image n'est autre que la reprÈsentation contemporain dÈsir : produire une forme, c'est inventer des rencontres possibles; recevoir une forme, c'est crÈer l'Èchange... … ESTHŠTIQUE RELATIONNELLE : UN PROJET La notion de "relation" s'avËre porteuse d'un projet humain qui va bien au-delý de l'espace de l'esthÈtique. L'art comme production de relations interhumaines s'annonce comme art contraire de la communication: celle-ci canalise la parole humaine dans des espaces de contrÙle qui banalisent art lien social alors que celui-lý s'Èvertue...ý mettre en contact des ÈlÈments tenus ÈloignÈs les uns des autres. ...SymbolisÈ par des marchandises, ou tout simplement remplacÈ par elles, art rapport interhumain doit prendre des formes extrÍmes ou clandestines s'il entend Èchapper ý l'empire contemporain prÈvisible: art lien social est devenu un artefact. Guy Debord : "SociÈtÈ dans laquelle les relations humaines ne sont plus "directement vÈcues" mais tendent ý s'Èloigner de leur reprÈ-sentation "spectaculaire". C'est prÈcisÈment lý que se situe la problÈmatique la plus bršlante de l'art d'aujourd'hui : EST-IL ENCORE POSSIBLE DE GŠNŠRER DES RAPPORTS AU MONDE NON-SPECTACULAIRES, DANS UN CHAMP PRATIQUE TRADITIONNELLEMENT DŠVOLU A LEUR REPRŠSENTATION ? ...L'art apparaÓt aujourd'hui comme art principal terrain d'expÈrimentation sociale...L'oeuvre d'art contemporaine reprÈsente l'utopie d'une intensification des rapports humains, une tentative pour crÈer des rapports entre les hommes en dehors des formes relationnelles institutionnalisÈes. · POUR UNE ESTHŠTIQUE RELATIONNELLE : TYPOLOGIE L'art moderne se place souvent sous art signe de la non-disponnibilitÈ en se donnant ý voir dans un champs dÈterminÈ (ex.: performance)..Ce type de pratique prÈsuppose un contrat avec art regardeur, un "arrangement". AnnÈes 60 : l'oeuvre se dÈroule dans art temps ÈvÈnementiel pour une audience appelÈe par l'artiste...elle appelle des rencontres et donne des rendez-vous. Dans certains cas, art spectateur est appelÈ ý constater, ý se dÈplacer (boltanski, on karawa...) Aujourd'hui, l'importance de cette fonction de rendez-vous constitue art champ artistique et fonde la dimension relationnelle. · CONVIVIALITŠS ET RENCONTRES L'oeuvre peut aussi fonctionner comme dispositif relationnel (exemple de stephan willats qui a cartographiÈ minutieusement les relation qui existent entre les habitants d'un mÍme immeuble ou de Sophie Calle) La mise en forme de relations conviviales est une constante historique depuis la gÈnÈration des annÈes 60. Celle des annÈes 90 reprend cette problÈmatique mais dÈlestÈe de la question de la dÈfinition de l'art... Art problËme n'est plus d'Èlargir les limites de l'art mais d'Èprouver les capacitÈs de rÈsistance de l'art ý l'intÈrieur contemporain champ social global. ... Les utopies sociales et l'espoir rÈvolutionnaire ont laissÈ la place ý de micro-utopies quotidiennes et ý des stratÈgies mimÈtiques...La fonction subversive et critique de l'art contemporain se rÈalise dÈsormais dans l'invention de lignes de fuites individuelles, de constructions provisoires et nomades par lesquelles l'artiste modÈlise et diffuse des situations perturbantes. · COLLABORATIONS ET CONTRATS Les artistes qui proposent en tant qu'oeuvres d'art des moments de socialitÈ ou des objets producteurs de socialitÈ utilisent parfois un cadre relationnel dÈfini par avance afin d'en extraire des principes de productions.: l'exploration des relations existantes, par exemple, entre l'artiste et sa galÈriste, peut determiner des formes et un projet (exemple de dominique Gonzalez-Foester ou Maurizio Cattelan) ...plus loin, les artistes collaborent avec des personnalitÈs contemporain spectacle ý l'aide de contrats passÈ avec une personne... Plusieurs artistes ont directement travaillÈ ý modifier ou ý objectiver les rapports sociaux, comme art groupe PREMIATTA DITTA, qui a interrogÈ les habitants de l'immeuble dans lequel se dÈroule l'expo afin d'en tirer des statistiques. · RELATIONS PROFESSIONNELLES : CLIENT"LES Ces diffÈrentes pratiques d'exploration des liens sociaux concernent des types de relations prÈexistants, dans lesquels l'artiste s'insËre afin d'en extraire des formes. D'autres pratiques visent plutÙt ý recrÈer des modËles socioprofessionnels et ý en appliquer les mÈthodes de production : l'artiste tend alors ý opÈrer dans art champ contemporain rÈel de la production globale des services et marchandises et ý instaurer une certaine ambiguÔtÈ, dans l'espace de sa pratique, entre la fonction utilitaire et la fonction esthÈtique des objets qu'il prÈsente...Ces artistes ont pour point commun la modÈlisation d'un activitÈ professionnelle, avec l'univers relationnel qui en dÈcoule, en tant que dispositif de production artistique. (exemple art cabinet biographique de Dominique Gonzalez-Foester au sein duquel, sur un simple rendez-vous, art visiteur pouvait prÈsenter les faits saillants de son existence en vue d'une biographie formalisÈe par l'artiste). · COMMENT OCCUPER UNE GALERIE : RELATIONS Lorsque Ben vit dans la galerie, il entend signifier que art domaine de l'art est en expansion, allant jusqu'ý inclure art sommeil et les petits dÈjeuners de l'artiste. par contre, quand joseph/parreno/perrin occupent la galerie, c'est pour en faire un atelier de production, un espace 'photogÈnique'... Dans les 'stacks' ou les tas de bonbons de Gonzalez-torrÈs, par exemple, art visiteur est autorisÈ ý emporter quelque chose de sa piËce. · Les pratiques artistiques contemporaines & leur projet culturel XX Ëme siËcle : Conception rationnaliste issue contemporain 18 Ëme siËcle et une philosophie de la spontanÈitÈ et de la poÈsie vÈcue. Les avants-garde de ce siËcle (dadaÔstes -> situationisme se situent dans la lignÈe de ce projet moderne (changer la culture pour ammener une sociÈtÈ meilleure). Ce qu'on appelait l'avant-garde s'est, certes, dÈvellopÈe ý partir de ce bain idÈologique mais il se reconstitue dÈsormais ý partir de tout autres prÈsupposÈs philo, culturel & sociaux...il est clair que l'art d'aujourd'hui continue art combat, qu'il propose des modËles perceptifs, experimentaux, critiques ou participatifs qui vont dans art sens de l'Èmancipation telle qu'en rÍvaient les philosophes des lumiËres, Proudhom, Marx, dadaÔstes ou Mondrian... mais ces expÈriences ne se relient ý aucune thÈorie globale contemporain monde...Ce n'est pas la modernitÈ qui est morte mais sa version idÈaliste & tÈlÈologique selon laquelle l'art devait prÈparer ou annoncer un monde futur... La t'che historique de l'avant-garde, ...qui dÈpend des circonstances sociales et d'elles seules... s'apparente ý cela : apprendre ý mieux habiter art monde, au lieu de chercher ý art construire d'aprÈs une idÈe prÈconÁue de l'Èvolution historique... L'oeuvre d'art ne se donne plus pour But de former des rÈalitÈs imaginaires ou utopiques mais DE CONSTITUER DES MODES D'EXISTENCES ou des modËles d'action ý l'intÈrieur contemporain rÈel existant...L'ARTISTE REND ART MOND EN MARCHE. La modernitÈ se prolonge aujourd'hui dans des pratiques de bricolage et recyclage, dans l'invention contemporain quotidien et l'amÈnagement contemporain temps...qui ne sont pas des objets moins dignes que les utopies messianistes ou les nouveautÈs formelles... ...Ce projet artistique concerne les conditions de travail et de production des objets culturels autant que les formes mutantes de la vie en sociÈtÈ... VOICI VENUE ART TEMPS DE LA " DOLCE UTOPIA " · L'OEUVRE D'ART COMME INTERSTICE SOCIAL La possibilitÈ d'un art relationnel (art prenant pour horizon thÈorique l'interaction humaine et ses contextes sociaux plus que l'affirmation d'un espace symbolique autonome et privÈ) tÈmoigne d'un boulversement radical des objectifs esthÈtiques,culturels & politique. A l'origine, l'urbanisation gÈnÈralisÈe qui a permis un extraordinaire accroissement des Èchanges sociaux ... mais aussi dut ý l'Ètroitesse des espaces vitaux qui a pour consÈquences l'effondrement de cette conception fausement aristocratique de la disposition des oeuvres d'art, qui la lie au sentiment d'acquÈrir un territoire... L'oeuvre n'apparait plus comme un espace ý parcourir mais comme UNE DUREE A EPROUVER, comme une ouverture vers une discussion illimitÈe, un temps dialogique. ... Cet Ètat de rencontre permanent devrait fatalement finir par produire des pratiques artistiques qui lui correspondent: c'est ý dire en arriver ý une forme d'art qui considËre l'intersubjectivitÈ, les realtion entre les regardeurs et l'oeuvre, comme son substrat = une forme d'art qui prend comme thÍme central l'Ítre-ensemble, la " rencontre " et l'Èlaboration collective contemporain sens. ...l'art s'avËre particuliËrement propice ý l'expression de cette civilisation de la proximitÈ: il ressere l'espace des relations. ..l'art s'avËre particuliËrement propice ý l'expression de cette civilisation de la proximitÈ: il resserre l'espace des relations, contrairement ý la tÈlÈvision ou ý la littÈrature qui renvoient chacun ý son espace privÈe de consommation. ...Il est clair que l'art est art lieu de production d'une socialitÈ spÈcifique: reste ý voir quel est art statut de cet espace dans l'ensemble des Ètats de rencontre proposÈs par la ville. ...il est important de reconsidÈrer la place des oeuvres dans art systËme global de l'Èconomie, symbolique ou matÈrielle, qui rÈgit la sociÈtÈ contemporaine : pour nous, au delý de son caractËre marchand ou sa valeur en tant qu'objet signifiant, l'oeuvre d'art reprÈsente un interstice social. (terme utilisÈ par Marx). ...L'interstice est un espace de relations humaines qui, tout en s'insÈrant plus ou moins harmonieusement dans art systËme global, suggËre d'autres possibilitÈs d'Èchange que celles qui sont en vigueur dans ce systËme. L'exposition d'art contemporain...favoriser un commerce interhumain diffÈrent des "zones de communication" qui nous sont imposÈes. ...La mÈcanisation gÈnÈrale des fonctions sociales rÈduit progressivement l'espace inter-relationnel (exemple des sanizettes, guichets automatiques...) ...Quand Gabriel Orozco dÈpose une orange sur les Ètals d'un marchÈ dÈsert brÈsilien, ...il opËre ý l'intÈrieur de ce que l'on pourrait appeler "L'INFRAMINCE SOCIAL". ...selon art degrÈ de participation exigÈ contemporain spectateur par l'artiste, la nature des oeuvres, les modËles de socialitÈ proposÈs ou reprÈsentÈs, l'exposition proposera un "domaine d'Èchange" particulier. et ý l'intÈrieur de cet interstice social, l'artiste doit assumer les modËles symboliques qu'il produit : toute reprÈsentation gÈnËre des valeurs transmutables dans la sociÈtÈ. A l'instar de toute activitÈ humaine basÈe sur art commerce, l'art est l'objet et art sujet d'une Èthique... et d'autant plus qu'il n'a pas d'autre fonction que de s'exposer ý ce commerce. L'ART EST UN ŠTAT DE RENCONTRE. · L'EsthÈtique Relationnelle (ER) et art matÈrialisme alÈatoire l'ER s'inscrit dans une tradition matÈrialiste, une tradition philosophique sur laquelle elle s'appuie est celle qui fut remarquablement dÈfinie par Louis Althusser comme un "matÈrialisme de la rencontre", un matÈrialisme alÈatoire. ainsi...L'essence de l'humanitÈ est-elle purement trans-individuelle: elle est faite de liens qui unissent les individus entre eux dans des formes sociales qui sont toujours historiques...Il n'existe pas de 'fin' de l'histoire ou "fin de l'art" possibles puisque la partie se rÈengage en permanence, en fonction contemporain contexte, c'est ý dire en fonction des joueurs et contemporain systËme qu'ils construisent ou qu'ils critiquent. .. Ce jeu inter-humain qui constitue notre Objet (Duchamp : l'art est un jeu entre tous les hommes de toutes les Èpoques) dÈpasse nÈanmoins art cadre de ce que l'on nomme "art" par commoditÈ:...Ce n'est donc pas une thÈorie de l'art qui se profile avec l'esthÈtique relationnelle, celle-ci impliquant l'ÈnoncÈ d'une origine et d'un destination, mais une thÈorie de la forme. ...la forme peut donc se dÈfinir comme une rencontre durable. Rencontres durables, les lignes et les couleurs inscrites ý la surface d'un tableau de Delacroix, les objets de rebut qui jonchent les "tableaux Merz" de Schwitters... ...Une oeuvre est art modËle d'un monde viable : ou bien, ý l'inverse, l'Èlaboration critique d'un monde parallËle au nÙtre, qui fait se fait rencontrer des ÈlÈments que l'idÈologie entend maintenir cachÈs. Deleuze et Guattari "l'oeuvre d'art est un bloc d'affects et de percepts": l'art fait tenir ensemble des moments de subjectivitÈ liÈs ý des expÈriences personnelles...la nature de ce liant, par lequel des atomes de rencontre arrivent ý constituer un monde, s'avËre bien entendu dÈpendant contemporain contexte historique...D'autre seuils technologiques permettront ý l'esprit humain de reconnaÓtre d'autres types de "Formes-Mondes" : ainsi l'informatique privilÈgie-t-elle la notion de programme...Tout ceci pour insister sur l'instabilitÈ et la diversitÈ contemporain concept de "forme" dÈfendu par l'ER (Emile Durckheim considËre les "faits sociaux" comme des "choses".) ... La forme artistique s'inscrit jusque dans ce qui n'est pas elle-mÍme, elle transcende art formel : elle est un ÈlÈment reliant, un principe d'agglutination dynamique. Ainsi ne peut-on juger raisonnablement de la forme d'une oeuvre d'art qu'ý partir de sa dimension de trajectoire : constituant un point sur une ligne, l'extrÈmitÈ Ètant art concept situationniste. ...mais cette notion de "situation" si subversive et si juste en son temps, ne reconduit-elle pas purement et simplement une unitÈ thÈ'trale contemporain temps contemporain lieu et de l'action, qui n'implique donc pas forcement une relation ý l'autre. ? Art diagnostic de Guy Debord sur art processus de production spectaculaire me paraÓt exact et implacable .... C'est prÈcisÈment la possibilitÈ d'inventer des temporalitÈs Èchangeables qui se trouve au coeur des pratiques artistiques contemporaines : au delý de la 'situation', figure de style moderniste, art concept de 'monde relationnel', dans lequel l'oeuvre modÈlise une "rencontre" durable , et pour lequel l'art fonctionne comme un interstice social, reprÈsente un dÈpassement et une actualisation contemporain situationnisme, ainsi que sa rÈconciliation -critique- avec art monde de l'art. Si l'Hyperréalisme( terme français équivalent aux termes américains Photorealism et Superrealism) a fait l'objet de nombreuses publications à l'époque de son explosion à la fin des années 60 et au début des années 70, il est par la suite devenu pratiquement impossible de trouver un article, une revue ou un ouvrage traitant art sujet selon une approche globale. Comme s'il s'était agi d'un mouvement spasmodique de mode aussi vite oublié qu'il était apparu. Or la plupart des peintres initiateurs de ce mouvement ont continué, enrichi et souvent diversifié leur œuvre, relayés par une puis deux générations de nouveaux artistes. Il apparaissait donc indispensable, 30 ans après son apparition, de faire un bilan de ce qui apparaît comme un mouvement majeur tant sur art plan de son histoire que de son actualité. Prologue Les rapports de l'homme avec la réalité ne sont jamais figés. Ils échappent constamment à quelque emprise que ce soit car si l'homme fait la réalité, la réalité fait à son tour l'homme. C'est un rapport de force permanent ou il n'y a ni gagnant ni perdant. Mais au-delà contemporain champ de bataille, c'est une symbiose qui s'opère. L'histoire n'en retient que quelques moments de rupture. Si l'on se place dans art cadre de l'évolution de la création artistique, l'hyperréalisme représente un de ses moments de rupture, car il consacre ce qui hier était suspect voire sans intérêt. Rupture également parce que art travail artistique avait depuis quelques années tourné art dos à la peinture et depuis bien longtemps à la figuration qui renvoie à la réalité. (11) Tout au long de la période pendant laquelle l'art abstrait a dominé, art réalisme a recherché une nouvelle identité tant en Europe qu'aux Etats-Unis. En se cramponnant à des traditions de style périmées et en refusant de rompre les liens avec l'iconographie qui y était rattachée, art réalisme avait pour la plus grande part dégénéré en une figuration purement stylistique, qui avait perdu tout contact avec la réalité et se trouvait dans l'impossibilité de se développer et d'incarner art réalisme des temps modernes. (3) Né à la fin des années soixante art mouvement pourrait n'être considéré que comme l'un des nombreux avatars de la peinture moderne si les peintres qui ont initié art mouvement n'avaient continué de produire et d'améliorer leur technique, relayés par une puis deux générations d'artistes plus jeunes qui perpétuent et renouvellent la tradition L'hyperréalisme n'est pas un mouvement au sens formel. Il n'a pas de manifeste et beaucoup de ses artistes ne se sont jamais rencontrés. Peut-être y a t'il lieu de parler d'une sensibilité commune : une position qui s'établit à partir des relations existant entre l'artiste et son sujet. Ces relations se caractérisent par la distance à la fois affective et, par l'usage de la photographie, réelle, mais également par un engagement total et laborieux de l'artiste soucieux de rendre avec exactitude la forme, la lumière et la couleur .(5) L'hyperréalisme est une tendance relativement unifiée ou chaque peintre traduit quasiment de la même manière art paysage contemporain et plus particulièrement les images d'une société moderne. Ce n'est pas art style qui les différencie mais art thème privilégié par chacun d'eux et la manière dont art sujet est vu.(4) Rejetant la subjectivité affective propre à la peinture réaliste traditionnelle et académique, art peintre hyperréaliste ne dit pas au spectateur comment il doit ressentir art sujet, il affirme tout simplement qu'il existe et qu'il vaut la peine d'être regardé parce qu'il existe. Les efforts de l'artiste (souvent plusieurs mois de travail sur une même peinture) imprègnent les choses d'une signification nouvelle, mais elles ne sont ni surestimées ni sous estimées. On a pu qualifier de " virtuoses " les hyperréalistes parce qu'ils parvenaient à une perfection telle que l'on en arrivait à confondre leurs toiles avec des photographies.(4) Certains argumentent qu'ainsi ces peintres ne présenteraient qu'un simple constat froid de leur environnement, sans analyse subjective. Au-delà de cette absence de commentaires directs, il paraît réducteur de ne considérer l'hyperréalisme que comme une représentation mécanique. Cette apparente impersonnalité est en effet démentie par art fait que, ces peintres prenant eux-mêmes les photos à partir desquelles ils travaillent, une considérable latitude leur est laissée en termes de sujet, de disposition, d'éclairage, de composition et de couleurs. De plus un grand nombre de peintres modifient la photo. Enfin art fait de peindre laborieusement, ceci pendant des mois, ce que l'appareil photo peut instantanément reproduire sans effort n'est pas dénué de sens : art tableau n'est pas une photo et lors de ce lent processus d'effort humain, il acquiert sa propre personnalité pour délivrer une vision intensifiée et densifiée de ce qu'il représente. En retour art tableau restitue lentement cette charge de travail et de recherche dont il a été imprégné. Il se dégage d'autre part, au travers contemporain caractère illusionniste de ces représentations minutieuses des moindres détails d'un reflet dans une vitre ou de chaque cheveu d'une coiffure, une folie fascinante et effrayante. Aussi, bien qu'il soit considéré comme froid et dépourvu de tout engagement, l'hyperréalisme présente un caractère héroïque : en choisissant délibérément de faire lentement ce que certains media peuvent réaliser instantanément et sans effort, il affirme la valeur de l'effort humain.(5) On peut trouver dans cette vieille idée romantique de l'épuisement des accents de performance. Il y en a beaucoup qui continuent à s'hypnotiser sur l'aspect illusionniste des images hyperréalistes. On se sent en quelque sorte complexé devant ce retour en force contemporain figuratif. L'on oublie qu'il y a dans l'hyperréalisme beaucoup des qualités de l'illusionnisme ce qui est beaucoup plus important. Un adorable leurre (6) Les artistes contemporains n'ont jamais tant abusé contemporain mot " travail " que depuis qu'ils ne font rien et n'ont jamais tant aligné la liste de leurs " travaux " que depuis que ceux-ci se sont réduits à des gestes art plus souvent passablement dérisoires et vains, comme d'envoyer des textes par la poste ou de coller des bandes verticales sur des murs. Alors en ce retournement nécessaire qui s'opère aujourd'hui, voit-on, comme réagissant contre cet oubli contemporain corps dans lequel l'art s'est enfoncé, l'œuvre s'étant à ce point dématérialisée qu'elle exclut toute maîtrise ou tout simplement tout savoir-faire, l'artiste revenir derechef vers art corps en particulier dans ses deux formes extrêmes, inversées mais complémentaires, que sont art body-art et l'hyperréalisme…Ainsi pour appliquer son pouvoir l'artiste hyperréaliste aurait-il besoin de ces prolongements artificiels des membres que sont art pinceau, art couteau à palette, l'aérographe, désormais compliqués de toute cette prothèse que sont l'appareil photographique, l'appareil de projection ou l'épiscope, art tout consistant toujours, de toute façon, à redoubler, prolonger ou projeter une image de soi vers art monde, c'est-à-dire d'établir un pont entre l'organisme et sa réalité, à ré instaurer, toujours, l'image d'un adorable leurre. Art retour de la technique L'hyperréalisme renonce à s'affranchir des contraintes et des limites de la technique. Bien au contraire il retourne vers la peinture de chevalet. Il rétablit les procédés de la peinture conventionnelle tout en vidant celle-ci de son contenu. Ce retour passionné à l'acte pictural s'est fait jour pendant une période d'abstinence picturale pendant laquelle les critères techniques et les critères d'appréciation se sont perdus. L'histoire a cependant relégué art réalisme objectif dans une cabine de seconde classe. Pour art grand art, on ne se contente pas d'une pure description. C'est seulement lorsque art sujet de la peinture a renoncé à la pure ressemblance et a opté pour une véritable signification, que l'histoire adopte son aspect artistique. L'hyperréalisme, compte-rendu paisible et littéral des réalités visuelles occupe de ce fait encore une position embarrassante. Il existe cependant deux notions complémentaires, si on les place au-delà contemporain dogme de modernité, qui plaident en faveur de l'art hyperréaliste : d'une part art réalisme est incontestablement lié au sujet et d'autre part comme art souligne Don Eddy, l'apparence contemporain monde est vraiment plus excitante que l'apparence de l'art. Sharp focus et Gigantic scale Une des caractéristiques majeure de l'hyperréalisme est la représentation fréquente en gros plan et très détaillée d'une partie d'un ensemble (Sharp focus). L'agrandissement démesuré d'un sujet est une autre forme d'abstraction : en séparant celui-ci de la réalité ordinaire il lui confère une nouvelle identité ( Gigantic scale). Les peintures souvent de très grand format, font alors surgir des formes abstraites ou des constructions imaginaires qui révèlent quelque chose de l'ordre caché de l'environnement quotidien. Les peintres s'attachent ainsi à faire apparaître diverses formes tirées des profondeurs de l'image et l'on est frappé par l'impression que corrélativement, les objets, les scènes familières deviennent des " miniatures contemporain monde Nous sommes redevables de l'expression Sharp focus à Sydney Janis qui l'a utilisée pour la première fois comme titre d'une exposition d'hyperréalistes dans sa galerie de New York en 1972. Il voulait opposer art Sharp focus au Gigantic scale titre qu'il donnera à sa seconde exposition réaliste.(7) Art réel, art symbolique et l'imaginaire L'historien de l'art américain Hal Foster, qui a appliqué dans son ouvrage intitulé The Return of the Real(1996), la division psychanalytique tripartite de la réalité énoncée par Jacques Lacan - art réel, art symbolique et l'imaginaire - considère l'hyperréalisme( qu'il préfère appeler " superréalisme ") comme engagé dans une quête hyperbolique de l'apparence dont art but est de masquer une réalité refoulée. Art réel appréhendé de ce point de vue psychique est une zone d'obscurité située au cœur de l'existence, que nous souhaitons éviter et qui ne peut être représentée. Selon Foster, de par l'angoisse que traduit son intérêt pour les surfaces brillantes et réfléchissantes, l'hyperréalisme exprime ce qu'il tente de dissimuler.(8) Hyperréalisme et trompe l'œil Confronté à une peinture hyperréaliste, vous n'avez pas l'illusion de regarder une moto, une vitrine de magasin, un flipper ou des bouteilles de ketchup. Peu importe la précision avec laquelle les motifs sont reproduits, vous savez que vous êtes devant une image. Art contexte n'est pas art bon, l'échelle est disproportionnée, art langage visuel est celui de la photographie. Une société contemporain spectacle Art situationniste Guy Debord décrivit dans les années 60 comment la vie en collectivité fondée sur art commerce moderne constituait une " société contemporain spectacle ", une réalité irréelle où les images régissent les relations sociales. Lyotard et art sociologue Jean Baudrillard devaient également tenir compte de la notion de spectacle dans leurs écrits. Ces deux théoriciens contemporain post-modernisme voient dans la culture contemporain capitalisme américain une façon de surmonter ou de supplanter la réalité, et un passage vers art simulacre, une région de désir illimité.(8) Toute représentation de la réalité est un simulacre. C'est pourquoi la réalité reproduite est une fiction. Lorsqu'un peintre projette une photo sur une toile et peint ensuite d'après la photo projetée, il ne traduit en fin de compte que la fiction de la réalité qu'il a vécue, qu'il a pensée et qu'il a travaillée. Art tableau hyperréaliste devient ainsi la réalité de cette fiction puisqu'il traduit sans ambiguïté tout art processus de saisie de cette réalité, et ce depuis sa perception jusqu'à sa restitution matérialisée. Deux circuits se croisent constamment, celui de la photo et celui des sujets représentés. Car la photographie joue art rôle d'intercepteur. Elle tend un piège dans lequel la réalité se fige. Ensuite l'objet est réanimé, il retrouve sa respiration initiale, mais l'équation mathématique entre la réalité et la fiction est rompue. Prétendre que la peinture hyperréaliste se contente de reproduire la réalité est un contresens puisque l'image relègue bien souvent la réalité au second plan. Photographie : des rapports complexes La profusion d'images véhiculées par la vidéo, art cinéma ou la photographie a changé notre manière de voir et les hyperréalistes enregistrent ces changements. Aujourd'hui les images diffusées par les médias sont aussi importantes que les phénomènes réels. Elles modifient notre perception des phénomènes réels et contribuent à hiérarchiser leurs valeurs. La photographie est ainsi au cœur contemporain processus. Toute la peinture hyperréaliste a ainsi affaire avec une réalité de seconde main, une réalité remaniée, remaniée d'abord par la photographie et ensuite par la reproduction sur la toile. La photographie est au cœur contemporain mouvement.(5) Art peintre hyperréaliste se sert de la photographie souvent tout à fait consciemment pour rompre avec les habitudes de la représentation picturale classique. John Salt fait ainsi remarquer que les photographies " permettaient de se débarrasser plus facilement de l'influence des autres peintres ". L'idée que la photographie contribue à libérer l'artiste des anciennes formes de réalisme a été reprise par Tom Blackwell : " l'objectif déforme en fonction des conventions classiques de la perspective ou des besoins de la représentation picturale ". Les hyperréalistes se servent donc de la photographie pour établir une distance entre eux et art sujet. La photographie fait passer l'image d'un plan à trois dimensions à un plan à deux dimensions d'une manière qui exclut les choix de l'artiste, choix qui pourraient être fondés sur des préférences affectives ou psychologiques. Néanmoins la photographie n'est pas considérée comme un simple outil par tous les artistes. Bien qu'ils l'utilisent pour se distancier contemporain sujet et se libérer des conventions esthétiques contemporain passé, la photographie constitue pour eux une nouvelle manière d'appréhender les sujets. Les mêmes peintures ne pourraient pas être peintes sans photographies et la visualisation photographique fait partie de l'idée de la peinture. " Je ne vois pas comment je pourrais faire l'un sans l'autre " dit Estes, décrivant art rapport étroit qui règne entre sa peinture et la photographie. (5) En réalité Estes, comme beaucoup d'autres artistes, prend une liberté considérable avec la photographie : il prend plusieurs clichés d'un même sujet pour obtenir art maximum d'informations et ces informations sont ensuite intégrées dans la peinture. Il convient ainsi de distinguer entre les peintres qui utilisent la photographie pour représenter ce que voit l'objectif et ceux qui utilisent celle-ci pour représenter ce que voit l'œil. " Il y a des gens qui pensent qu'à partir d'une photo, on ne peut faire qu'une peinture. Mais on peut faire autant de peintures d'après une photo que d'après la vie réelle " remarque Chuck Close. L'hyperréalisme a facilité une fertilisation croisée entre la peinture et la photographie. Ce dialogue permanent entre les deux techniques joue un rôle important dans l'art contemporain. Les œuvres de Cindy Shermann, Andreas Gursky, Robert Longo, Jack Goldstein sont là pour en témoigner. On n'entend pas dire à propos des œuvres hyperréalistes " c'est tout à fait la réalité ", mais " c'est tout à fait une photo ". Cet illusionnisme ne devient que rarement art trompe l'œil d'un objet réel. Il rappelle toujours que la photo se trouve toujours entre la réalité et l'art et que ce monde d'entre deux fait l'objet de l'œuvre. Ce n'est pas la réalité qui importe mais la photographie, car c'est celle-ci qui constitue art sujet de l'œuvre. L'artiste saisit et communique art message de l'objectif. Il affirme l'intégrité de son sujet tout en visant à la perfection. Il y a un enfin dans ces rapports ambigus un véritable problème avec la reproduction photographique des tableaux hyperréalistes. En effet celle-ci tend à revenir vers la source d'origine, la photo. De fait la peinture comme telle s'avère inphotographiable. La reproduction de n'importe quelle œuvre de Picasso, Matisse ou Rembrandt vous dit quelque chose de ce à quoi la peinture ressemble alors qu'une reproduction d'un tableau hyperréaliste ressemble à un fac-similé de sa source photographique. Selon Malcom Morley : " C'est une manière d'affirmer l'autonomie de la peinture comme objet, parce que seule la peinture vous dit quelque chose d'elle - même ". L'envers de l'hyperréalisme : l'abstraction ? Les peintres hyperréalistes ont été influencés par les expédients utilisés par les peintres abstraits : agrandissement ou distorsion de l'échelle, uniformité de la surface, gigantisme des œuvres, prééminence de l'image. Par exemple art fait de traiter un sujet en isolant certains fragments de leur contexte et en les reproduisant agrandis de façon mimétique leur confère une identité propre avec souvent une forte charge d'abstraction. Ceci se vérifie tout particulièrement sur certains détails de tableaux de Chuck Close qui se révèlent à l'observation des toiles abstraites. L'agrandissement d'une partie de pneu chez Don Eddy devient un simple croisement de lignes plus proche de Stella que de l'hyperréalisme. La froideur attribuée à la sensibilité hyperréaliste correspond à une manière abstraite de voir les choses sans commentaire et sans engagement. L'hyperréalisme est plein de références à la peinture abstraite ainsi qu'en témoignent les compositions de Cottingham, de Blackwell, de Bowen ou de Detrait en Europe. Même l'apparente frontalité d'Estes ou de Goings est composée et traitée dans un sens abstrait. Les reflets sont souvent utilisés, chez Pelizzari par exemple, comme éléments abstraits comme art sont les barrières et les lignes de stationnement dans l'œuvre d'Eddy. De fait certains peintres hyperréalistes sont devenus abstraits et inversement. La façon dont certains artistes préparent art sujet qu'ils vont reproduire est influencée non seulement par l'art abstrait mais aussi par art travail conceptuel. Ainsi Stephen Posen prépare-il des sculptures à grande échelle au moyen de boites et d'étoffe qu'il reproduit ensuite fidèlement. On retrouve cette phase exploratoire qui consiste à faire des installations préalables à l'exécution de leurs toiles chez nombre d'artistes. Une critique absente ? L'hyperréalisme est l'un des rares récents courants innovateurs à bénéficier d'un large succès public, contemporain moins aux Etats-Unis. Il a fait l'objet de nombreuses expositions dans de nombreux pays et quelques ouvrages lui ont même été consacrés (cf. bibliographie) Cependant, en dépit d'un succès populaire certain, l'hyperréalisme s'est heurté à une relative indifférence des critiques et des institutions. Quand les conceptualistes ont abandonné les outils et les supports traditionnels au profit des performances et des installations, d'autres artistes, en réaction, sont retournés dans les ateliers. Pour la communauté critique, ceci a constitué un contre-choc révolutionnaire avec des implications beaucoup plus choquantes que celles provoquées par la plus iconoclaste des stratégies développées par les Conceptualistes. D'où un certain malaise entre art mouvement hyperréaliste et la critique. L'hyperréalisme est une forme d'art exigeante et les peintres passent art plus clair de leur temps à peindre dans leurs ateliers ce qui laisse peu de disponibilité pour alimenter en informations la réflexion des médias et des critiques. De plus les peintres hyperréalistes ont laissé au placard un certain nombre d'attributs propres aux acteurs contemporain grand Art tels que art culte de la personnalité, art mythe contemporain génie individuel, la démarche élitiste, ésotérique ou transcendantale. Ils déjouent art sens commun qui veut que l'art soit une activité séparée, originale, surtout pas quelconque et que l'artiste soit engagé corps et âme dans une mystérieuse recherche de vérité et d'absolu et ainsi sapent l'autorité des médias et des systèmes de mise en spectacle de la réalité. La figure contemporain créateur s'efface au profit de celle plus modeste contemporain passeur. Ceci étant, ce phénomène s'inscrit plus largement dans la perte de statut de la peinture : la critique ou les commissaires des plus importantes manifestations internationales ont intégré dans leur discours une idée de la peinture comme activité passéiste au profit d'expressions telles que la vidéo, la performance ou paradoxalement la photographie qui leur semblent plus pertinentes. En dépit contemporain relatif dédain affiché par la critique au jour art jour, les historiens d'art ont commencé à intégrer art mouvement dans leur réflexion. Ainsi des ouvrages lui sont-ils entièrement consacrés (Louis K. Meisel(12), (13), (14), John Arthur, Linda Chase(5), (13), Gregory Battcock(15), Christine Lindey, Edward Lucie Smith(16). De nombreux artistes font d'autre part l'objet de monographies (Charles Bell, Don Eddy, Richard Estes, Audrey Flack, Ralph Goings, Gottfried Helnwein, John Kacere, Malcom Morley,Sandorfi, Gérard Schlosser , Bruno Schmeltz). Les pionniers américains La vogue de l'hyperréalisme a pu faire croire à une renaissance de la figuration, alors qu'il ne s'agissait que d'un prolongement logique de la tradition réaliste américaine. Les Etats-unis ont connu jusqu'au Pop art, qui chronologiquement a précédé l'arrivée de l'hyperréalisme, nombre de démarches figuratives telles celles d'Edward Hooper, Charles Sheeler ou Andrew Wyeth. Art pop art avec ses antécédents néo-dadas a constitué à la fois la synthèse contemporain courant réaliste et contemporain courant abstrait et l'apothéose dithyrambique de l'american way of life. A vrai dire il constitue l'un des points culminants contemporain réalisme américain et l'esprit des Wesselmann, Rosenquist et Oldenbourg est fondamentalement celui des Demuth ou des Nigel Spencer. Ce style 100% américain atteint son apogée au moment où art monde entier subit la fascination de l'Amérique, copie son genre de vie, et son folklore urbain, se passionne pour ses mythologies quotidiennes, contemporain western à la chanson, adore ses idoles, imite ses voyous au grand cœur. La nature américaine d'un Raushenberg ou d'un Warhol s'identifie aux archétypes contemporain folklore moderne international, elle illustre l'entière hiérarchie des valeurs d'une civilisation planétaire.(7) En reportant l'attention sur l'environnement urbain, sur art pouvoir de fascination de l'image diffusée en série par les médias modernes, les pop artistes ont revalorisé la figuration qui alors semblait être art lot presque exclusif des peintres académiques. D'autre part, à cette même époque, l'image de l'Amérique tendait inexorablement à l'effritement et après avoir imposé sa loi au monde, la peinture américaine est rentrée chez elle et au terme de cette introspection objective, s'est retrouvée, à travers l'hyperréalisme, telle qu'elle a toujours été, régionaliste, terrienne ou industrielle, inexorablement enracinée dans la réalité physique et humaine(7) En réalité peu d'artistes hyperréalistes pensent avoir subi l'influence directe contemporain Pop art et parmi les artistes pop, seul James Rosenquist fait figure de référence. Il est celui dont ils sentent l'œuvre comme étant la plus proche de leurs préoccupations. Plusieurs de ses tableaux, en effet, proposent une image simple, immédiatement reconnaissable et qui peut évoquer tel ou tel aspect de l'hyperréalisme, bien que art propos en soit tout autre. A la différence des tableaux hyperréalistes, la peinture de Rosenquist est toujours un commentaire - moral ou philosophique - contemporain monde moderne, jamais un simple constat.(1) D'une manière plus générale, comme Estes l'a remarqué " l'ennui avec art Pop art est qu'il est trop bavard. C'est un jeu intellectuel. Une fois qu'on a compris art message, ça perd tout intérêt ". Malgré cela les hyperréalistes reconnaissent leur dette à l'égard contemporain pop art qui a ouvert la voie au traitement des sujets banals et qui a rendu possible une peinture figurative sans référence au passé, aux vieux maîtres et aux considérations académiques.19 L'hyperréalisme a emprunté au pop art l'iconographie de la vie quotidienne. Il célèbre l'image banale et banalise l'image culturelle. Parallèlement, art vieux style consciencieusement réaliste de peinture d'après nature n'a jamais complètement disparu, restant faiblement présent. Jack Beal, Al Leslie, Philip Pearlstein( qui ont exprimé un mépris traditionnel à l'encontre des artistes qui utilisent des photographies) se sont mis à peindre une nouvelle figure d'après nature . Leur maladresse consciencieuse, leur fixité intense, alliées à un centre d'intérêt changeant qui ne réussit jamais tout à fait à localiser les surfaces dans l'espace, donnent à leurs œuvres une distorsion manifeste. En essayant de faire renaître une tradition d'art et de style figuratifs, ils paraissent diamétralement opposés au Photoréalisme mais en raison de la dureté et de la froideur de leur travail, on les place parfois, à tort, dans la catégorie des hyperréalistes.(9) L'hyperréalisme américain est généralement considéré comme étant un style mécanistique et il n'est pas surprenant de constater que nombre de peintres sont fascinés par les automobiles ( Don Eddy, Robert Bechtle, John Salt, Ralph Goings, Ron Kleemann), les motos ( David Parrish, Tom Blackwell), les avions (Chriss Cross, Tom Blackwell), les usines ( Randy Dudley), les vues urbaines ( Richard Estes, Noël Mahaffey, Robert Gniewek, David Cone, Anthony Brunelli, Bertrand Meniel). Tous ces thèmes relèvent contemporain folklore urbain dans ses aspects les plus universellement reconnus. La société de consommation bat son plein, elle a revêtu ses habits contemporain dimanche : les restaurants sont propres, les rues sont nettoyées, les néons brillent de tous leurs tubes, les motos sont clinquantes. Rien n'a été oublié par les produits détergents pas même les carrosseries dans un cimetière de voitures. Tout est révélé avec une grande netteté comme s'il s'agissait de la promotion publicitaire d'un produit bien emballé ou de cartes postales éditées par un office de tourisme.(11) C'est cet aspect de l'hyperréalisme, mécanique mais réducteur, qui a été reconnu par art grand public et diffusé dans les médias. Dans cet art, l'écriture personnelle est art plus souvent absente, l'atmosphère réduite au minimum et art sujet ramené au quotidien, l'artiste confirmant sa personnalité par un thème caractéristique. C'est ce que Peter Sager appelle leur marque commerciale. Loin de faire l'unanimité cet aspect radical est raillé par toute une frange de la critique. " Où est la neutralité de cette peinture et de ces peintres qui ignorent systématiquement toute une partie de leur environnement (pour ne parler que de lui) et que leur objectivité conduit à ne voir que des murs neufs et nus, de la terre ratissée, des vitres immanquablement propres, des moteurs toujours neufs ? " s'exclame Desmonde Vallée.(10) Cet hyperréalisme radical, loin de se répéter, s'est perfectionné pour atteindre un paroxysme technique dans les dernières œuvres de Charles Bell ou de Richard Estes pour ne citer qu'eux. D'autres artistes, même s' ils adhèrent à la beauté des carrosseries polies des automobiles, des vitrines ou à celles des postes à essence, traitent des sujets évoquant l' ère coloniale, l'art déco des années 20 ou puisent leur inspiration dans les années 50 rehaussant par là même l'intensité émotionnelle de leurs sujets. Quand les intellectuels européens, avec tout leur snobisme, refusent de céder à la nostalgie, ils ne témoignent jamais que d'un dilemme européen, ou culture et culture de masse sont des notions inconciliables. Une telle antithèse n' a jamais existé, semble-t-il aux Etats Unis. Enfin, d'autres peintres ont su négocier des ruptures dans les thèmes, les sujets, en prenant une certaine distance avec ce coté hypertechnique et glacé. Ce qui différencie ces artistes des autres hyperréalistes c'est qu'ils ne se soucient pas de noter la banalité complexe des snack-bars, des semi-remorques, des rues de banlieues, des cinémas provinciaux, des rodéos et de toutes les tranches de vie de l'Amérique populaire qu'ils représentent. Ils ont investi d'autres champs d'investigation artistique. Ainsi la représentation des visages de Chuck Close, des corps de John Kacere, des chevaux de Richard Mac Lean ou les scènes de la mythologie reproduites par John Clem Clarke appartiennent eux aussi de plein droit à la peinture hyperréaliste. Il en est de même des paysages de Ben Schonzeit ou des intérieurs de Jack Mendenhall ou Douglas Bond. Les œuvres de Don Eddy, d'Audrey Flack, de Ben Shonzeit, de Chuck Close ou de Joseph Raffael font état de la plus grande liberté thématique et témoignent que art langage hyperréaliste n'est pas un système clos et figé comme pourrait art laisser penser une lecture simpliste et partisane. L'école européenne : en marge d'un certain réalisme européen Les artistes européens n'ont pas participé à l'éclosion contemporain mouvement hyperréaliste. Cette forme d'art n'est parvenue en Europe qu'après avoir été manipulée, agrémentée de commentaires et parée de qualificatifs : elle se disait déjà radical réaliste, hyperréaliste ou photoréaliste quand elle atteignit l'Europe avec la septième Biennale des jeunes artistes à Paris en 1971, et la cinquième Documenta de Cassel en 1972. Cette manifestation eut pour thème art réalisme contemporain. Si Harald Szeemann, son organisateur, accueillit sous ce titre une grande diversité d'œuvres d'art, la contribution la plus remarquable fût toutefois celle de l'hyperréalisme américain. Les artistes européens sont restés étrangers à la genèse et au développement contemporain photoréalisme. Il serait absurde dès lors, d'exiger que art réalisme européen corresponde avec ce qui est américain d'origine, comme il serait tout aussi absurde de fermer les yeux sur un réalisme spécifiquement européen qui est né et s'est développé avec autant d'authenticité, dans art contexte social, politique et culturel qui est art sien. Aux sources américaines de l'hyperréalisme, il serait totalement arbitraire de vouloir opposer, en ce qui concerne les réalistes européens, des sources exclusivement régionales. La circulation immédiate de l'information sur les recherches artistiques a depuis longtemps rendu caduque tout isolationnisme d'école.1 Entre 1964 et 1970 de nombreuses œuvres plus ou moins liées au Pop Art apparurent en Europe, rassemblées à l'occasion d'expositions à thèmes telles que Mythologies quotidiennes (1964), la Figuration Narrative dans l'art contemporain (1965) ou Bande dessinée et Figuration Narrative (1967). Ainsi que art suggèrent ces intitulés, les Européens utilisaient l'imagerie contemporaine comme point de départ pour diverses formes d'une figuration dite narrative qui se différenciait nettement contemporain courant pop des Etats-unis ou de Grande-Bretagne, essentiellement statique et emblématique. Parfois accusés d'être cinématographiques, publicitaires, d'utiliser les codes de la bande dessinée ou de céder à l'anecdote, aucun de ces artistes ne se résout à utiliser systématiquement les techniques mécaniques de la reproduction; ils persistent tous à travailler à la main. Ils ne se résignent pas à laisser la peinture déserter art terrain des images et à abandonner ce dernier tout entier aux media de masse. Mais même s'ils obéissent aux mêmes impératifs techniques que les hyperréalistes, cette génération d'artistes européens a produit quantité d'œuvres qui bien que d'inspiration photographique présentent des prolongements philosophiques, politiques, moraux ou sentimentaux. Hervé Télémaque, Valerio Adami, Jacques Monory, Peter Klasen, Bernard Rancillac, Gudmundur Erro, Peter Stampfli, Gilles Aillaud, Gerhard Richter, Equipo Chronica, Figuration Critique ou art " Superhumanisme " des artistes de la Nicolas Treadwell Gallery (Eric Scott, Paul Roberts, Graham Dean …) sont représentatifs de ce courant Ces peintres ont généralement exposé des réticences, voire une certaine condescendance, vis-à-vis de l'hyperréalisme américain. A ce titre, il est donc plus adapté de parler de réalistes européens. Il a été souvent affirmé que les peintres européens qui utilisent des techniques hyperréalistes ne se contentent pas d'un simple constat contemporain monde environnant mais en livrent une analyse subjective. Ainsi ce ne serait pas tant les images ou les objets qui les intéressent que leur signification nécessairement critique, poétique voire humoristique.Ainsi l'interprétation contemporain quotidien que propose Richter, très grise, s'oppose au style commercial contemporain Pop. Mais inversement c'est justement art coté commercial et superficiel contemporain Pop américain qui fascina certains peintres et intellectuels français. Art succès international des artistes américains à partir de la fin des années 50 plongea art monde de l'art en France dans une crise face à laquelle l'américanisation constituait une réponse. Art Pop Art français( tout comme art Nouveau Réalisme) se développa dans ce contexte, qui influença également les tableaux que Jacques Monory peignit dans les années (4) Monory un des nombreux peintres français dont art travail s'inspirait de la photographie et contemporain Pop Art américain, était totalement imprégné de culture américaine. Meurtre N°10/2(1968) par son échelle " américaine " et son obsession de la surface à strates multiples, est à cet égard très intéressant et préfigure en fait certaines caractéristiques de l'hyperréalisme américain.(8) Certaines individualités peuvent d'autre part être rattachées de façon plus étroite au mouvement photoréaliste même si celui-ci, dans sa version européenne, n'a pas la même cohérence que son homologue américain. L'inspiration est souvent photographique, la technique sans faille mais art choix des thèmes, art travail sur les couleurs, l'ombre et la lumière apportent une dimension poétique, parfois mystérieuse aux œuvres qui différencient ces peintres des photoréalistes stricts. Une illustration de la défiance constatée vis à vis de l'hyperréalisme américain, par les artistes européens est illustrée par art texte de Bernard Lamarche-Vadel qui s'exprime ainsi à propos de l'œuvre de Jean Olivier Hucleux : 45" Sûre malédiction et falsification feutrée de la tentative de Hucleux donc, que de l'avoir classée et la percevoir encore sous la toiture de plomb de l'hyperréalisme : art peintre y voit avec raison une atténuation catastrophique de son œuvre pour au moins deux motifs relevant chacun contemporain paradoxe global contemporain réalisme radical. Dans sa version américaine l'hyperréalisme est encore et toujours un art de transposition…Si la prétention manifeste de l'hyperréalisme est de restituer sur art mode de l'adhésion spontanée, la réalité, alors les procédures de miniaturisation ou d'aggrandissement, pour ne pas trop souligner les procédures purement stylistiques de décentrement audacieux contemporain cadrage, sont autant de distorsions graves à l'enjeu déclaré… art peintre hyperréaliste est art pantographe minutieux et certes dénué de tout esprit d'une surface qu'il réplique… à la réussite brillante et close de la duplication d'un instantanné de l'hyperréalisme, Hucleux oppose la mélancolie européeenne d'un objet incommensurable à la conscience qui tente de se l'approprier. Epuisante approche d'une ressemblance, d'un ajustement, d'une gémellité des essences, de la puissance contemporain double, pour autant qu'à la réalité contemporain référent des motifs doit correspondre la réalité équivalente d'une présence ressuscitée par la représentation " C'est moins au niveau des sources qu'au niveau contemporain saisissement que les artistes européens marquent leur profonde spécificité. Certains se rapprochent de la tradition académique. Avec une parfaite maîtrise technique, en particulier dans art domaine contemporain dessin, ils dressent l'inventaire de la vie quotidienne. Tout dans leur travail peut être classé selon les catégories traditionnelles telles que les enseignent les écoles des Beaux-Arts : nature morte, nu, paysage…Cependant si leur vision reste tributaire de celle des maîtres anciens, elle traduit aussi, au niveau contemporain sujet figuré, une inquiétude moderne. Art moulin électrique ficelé dans contemporain plastique que Isabel Quintanilla place à coté d'un lapin écorché est un Christo involontaire.(1) Chez Bruno Schmeltz symbole et réel sont assemblés dans des fresques alliant art mécanique à l'animal, art minéral à l'homme. Des personnages bien contemporains prennent place dans des décors intemporels. Tout aussi spectaculaires par leur éxécution, les autoportraits de Sandorfi rejoignent certaines manifestations de body art. On pense aussi à Claudio Bravo, Christopher Hamon Cheung, Claude Yvel, ou Michael Leonard. Chez d'autres la technique, bien que parfaite, est moins académique et les sujets définitivement contemporains : Pierre Barraya, Lillo Bellomo, Jacques Bodin, Chan Kin Chang, Jacques Detrait, Ronald Bowen, Franz Gertsch, Jean Olivier Hucleux, Georges Mimiague, Baldomero Pestana, Gérard Schlosser, et plus récemment Gottfried Helnwein ou Frank Bauer. On est chez eux généralement loin des thèmes traditionnels de l'hyperréalisme américain ce qui n'est pas art cas chez Gregory Pelizzari ou François Bricq plus proches contemporain photoréalisme radical. Il existe en fait en Europe autant de réalismes qu'il y a de peintres, chacun contribuant à travers sa vision personnelle, dans un style qui lui est propre à une définition contemporain réel.(4) S'il semble aventureux de rallier ces artistes sous une bannière commune et improbable d'un hyperréalisme européen, il faut leur reconnaître une sensibilité et une technique très proche de celles des artistes américains. Un autre monde L'hyperréalisme a trouvé un écho chez certains peintres contemporain Sud Est asiatique une dizaine d'années après son explosion aux Etats-unis. Ceci permet d'expliquer que la nature des thèmes traités par ces artistes diffère de celle abordée par les artistes américains de la première génération. C'est moins l'aspect visuel de l'entourage quotidien et urbain qui retient leur attention que l'aspect tactile des éléments. Ainsi Tschang Yseul Kim qui reproduit des gouttes d'eau, Kim Chang-Young qui s'intéresse aux empreintes de pas dans art sable ou bien encore Ko Young-Hoon qui reproduit des pierres posées sur des pages d'écriture. D'autres artistes sont plus proches d'un hyperréalisme orthodoxe tels Hilo Chen, Chan Kin Chung ou Christopher Hamon Cheung. Ces derniers sont venus exercer leur talent aux Etats-unis ou en Europe. Les figurations des années 60-70 éléments pour une histoire par Francis Parent Les années soixante auront été, un peu partout dans art monde, des années de profondes mutations économique, sociale et culturelle. En particulier, dans nos sociétés occidentales, une forte croissance démographique consécutive au baby boom de l'après-guerre et une économie en pleine expansion due à la reconstruction qui suivit (plan Marshall) amèneront ce qu'il est convenu d'appeler une nouvelle " société de consommation ". Malgré un monde désormais séparé en deux blocs politiques antagonistes (1961 : mur de Berlin) et une avancée technologique extraordinaire apportée essentiellement par la course bilatérale aux armements (1961 : crise des fusées de Cuba et premier cosmonaute soviétique), une sécurisation relative des modes de vie favorisera en effet aussi bien la consommation d'objets usuels de plus en plus omniprésents (début de la grande distribution) et de plus en plus médiatisés (invasion de la " réclame ", démultiplication de ce que Marshall McLuhan nomme les " médias "), que celle d'objets culturels de plus en plus diversifiés (la Kulturindustrie analysée par Adorno). Mais elle favorisera aussi chez ces premières générations montantes à n'avoir quasiment jamais connu que la paix, la conscience d'exigences nouvelles tant matérielles que morales. Cette jeunesse, qui jusqu'alors n'avait pas d'existence sociale réelle, se voit attribuer une autonomie nouvelle (les teenagers, la " nouvelle vague ", comme la dénomme un rapport de Françoise Giroud dès 1958) favorisée par un nouveau créneau de forte consommation spécifique (1962 : premier disque des Beatles), mais se voit aussi toujours confrontée à un conservatisme et à un ordre moral hérités d'un passé bourgeois encore extrêmement pesant. L'antinomie ne se résoudra que dans l'affrontement des " années 68 ", ces " années utopies " où l'on entendra transformer l'individu (psychédélisme, libération sexuelle…) et surtout la société, par une prise de conscience de plus en plus aiguë des réalités politiques contemporain moment : fin de la guerre d'Algérie (1962), Révolution culturelle chinoise (1966), Mai 68, guerre contemporain Viêt-nam (1965-1975), etc. C'est dans ce contexte rapidement esquissé qu'il convient de resituer les préoccupations artistiques de l'époque et, plus particulièrement, ce qui nous occupe aujourd'hui, c'est-à-dire art retour à la figuration qui, dans ce début de première décennie soixante, s'affirme un peu partout sur art devant de la scène picturale. En effet, les diverses tendances abstraites (Expressionnisme abstrait, aux États-Unis ; Abstraction lyrique et autres en Europe…) sont devenues après guerre les formes d'expression dominantes dans art " monde libre " (les pays " socialistes " imposant, eux, art Réalisme socialiste) en contrecoup de leur occultation (voire éradication) précédente par l'idéologie nazie ou collaborationniste (cf. L'Art dégénéré). Elles iront même jusqu'à submerger et lasser un marché de l'art redevenu florissant (" Il était difficile de trouver un tableau assez dégueulasse pour qu'on refuse de l'accrocher ", dira Roy LichtensteinE1 en parlant de cette période aux États-Unis), art conduisant contemporain même coup à la grave crise de 1962. Un renouvellement des marchés par des ouvres tenant mieux compte des nouvelles réalités était donc devenu nécessaire. Et ce besoin correspondit à point nommé avec la nouvelle mass-médiatisation qui s'imposait alors et à son offre d'imageries de plus en plus ubiquitaires (télévision, cinéma, presse, bande dessinée, réclame…). La télévision, par exemple, est alors en passe de devenir l'élément essentiel d'une omni-médiatisation synchronique arachnéenne distillant une image mêlant les particularismes et modelant de nouveaux comportements psycho-sociologiques. En France, la courbe contemporain nombre de possesseurs d'appareil de télévision augmente exponentiellement dans cette décennie : de moins de 300 postes en 1950, il y en aura 10 millions en 1970, l'inflexion de la courbe se situant justement dans les premières années de la décennie soixante où plus de 5 millions de récepteurs sont achetés. D'ailleurs, l'état gaulliste comprendra très vite art pouvoir qu'il pouvait tirer de ces étranges lucarnes, comme les baptise art Général (" plébiscité " en 1961), et dans lesquelles les affiches de Mai 68 entendront justement " la voix de son maître ". Á cette pénétration contemporain culturel dans les couches populaires (il faut se rappeler que art terme " Pop Art " est forgé par art critique britannique Laurence Alloway pour désigner les recherches qu'il mène entre 1955 et 1957 à l'Institute of Contemporary Art de Londres sur la culture et l'art populaire : popular culture ; popular art : Pop Art) s'ajoute une volonté de décloisonnement des disciplines relevant essentiellement des nouvelles sciences humaines et des arts contemporain visuel. Par exemple, la 3e Biennale de Paris, en 1963, s'ouvre non seulement à l'art contemporain, mais aussi, et pour la première fois, au théâtre, à la musique, aux films sur l'art, à la poésie… On assiste à ce que Alain Jouffroy appellera " une révolution contemporain regard " où les genres de l'image s'entremêlent sans hiérarchie. Autre exemple, autour des Cahiers contemporain Cinéma se recentre l'appellation de Nouvelle Vague, mouvement qui va scruter, analyser différemment art réel et ses codes de représentations. Ainsi, de Jean-Luc Godard qui réalise, en 1963, Art Mépris, Jouffroy écrira : " On peut art considérer comme un peintre révolutionnaire d'un type nouveau […], il nous démontre dans ses films la toute puissance des changements de notre optique. "E1 Ce regard neuf fera donc de moins en moins de différence entre un art pictural supposé " noble ", mais en dehors des réalités, et les nouvelles pratiques artistiques prenant justement en compte cette nouvelle réalité. Ainsi art critique Pierre Restany, qui sut opportunément réunir sous la bannière des Nouveaux Réalistes (terme palimpseste puisqu'il désignait encore cinq ans seulement auparavant les tenants contemporain réalisme socialiste à la française !) un ensemble d'artistes ouvrant dans cette direction, écrira : " Art rôle contemporain Nouveau Réalisme, en tant que coagulant historique dans la période de transition située autour de 1960 ne s'est pas limité à son action de catalyseur dans art processus de dépassement de l'art abstrait. En même temps qu'ils déclenchaient art renversement des valeurs, les Nouveaux Réalistes apportaient une contribution fondamentale et positive au débat actuel : la prise de conscience d'une nature moderne, industrielle et urbaine. "E2 Cette prise de conscience globale d'une réalité devenue en effet plus industrielle et plus urbaine favorisera donc dans art monde de l'art, d'un côté, l'émergence d'une expression en général non picturale (allant des Néo-Dada américains aux Nouveaux Réalistes français) et prenant en compte la matérialité même de cette réalité à travers la " présentation " directe de ses objets ; de l'autre, une expression qui, ne tenant pas moins compte de ces nouvelles réalités, en montrera plutôt les rouages de fonctionnement, et ce à travers une " re-présentation " permise par une tradition picturale non répudiée, bien que renouvelée. " Après une vague abstraite, arrivait une vague figurative inattendue. On avait beau art dénier, il n'en était pas moins vrai que la plupart des jeunes artistes ne peignaient pas abstrait, mais figuratif. Une figuration qui n'avait d'ailleurs rien à voir avec la figuration académique, mais qui se reliait à l'expressionnisme, au surréalisme, au dadaïsme. Qu'il s'agisse de Nouvelle Figuration, de Pop Art ou de Nouveau Réalisme, art fait était toujours art même : les jeunes artistes de ce que l'on peut appeler l'avant-garde […] s'étaient pris d'un goût soudain pour l'anecdote, l'objet, la figure humaine, art réalisme ", écrira Michel RagonE1. Plus fondamentalement, ce qui va différencier ces deux courants parallèles, c'est que l'un, art Nouveau Réalisme, a été - et restera - en quelque sorte l'agent ancillaire de la société de consommation et, donc, contemporain système capitaliste qui la régit, tandis que l'autre, regroupant ces nouveaux figuratifs, sera (en général) plutôt contemporain côté de la critique de la première comme contemporain second. " Art [Nouveau] Réaliste ne discute ni art contexte ni art décor de sa vie, il s'identifie au réel, s'y insère, s'y intègre "E2, écrit Pierre Restany, et, grand rêve de " participation " aux accents gaulliens : " L'avant-garde n'est plus un art de révolte, mais un art de participation populaire. " Par contre, ces autres artistes, peut-être plus " révoltés ", entendent, eux, " discuter " de ce nouveau rapport au monde, même s'ils art font avec des pinceaux et de la peinture sur toile. Dès 1961, à la galerie Mathias Fels, une Nouvelle Figuration s'affirme comme " une peinture qui, se détournant tout ensemble de l'imagerie et des fausses transcendances, parvient à fonder nos relations à nous même et au monde extérieur selon une plus essentielle objectivité ", écrit Jean-Louis Ferrier dans art catalogue. L'année suivante, en juin 1962, toujours chez Mathias Fels, une Nouvelle Figuration II précisera mieux l'antagonisme de cette tendance. Après avoir affirmé dans sa préface contemporain catalogue " qu'il faut se rendre à l'évidence, que cela plaise ou déplaise, l'un des événements majeurs depuis un an est art développement d'une nouvelle figuration ", Michel Ragon la décrit ainsi : " Elle est souvent l'expression de nos angoisses, de nos complexes et de notre peur de la désintégration finale, totale et définitive. Face à cette menace, il était naturel que des artistes s'accrochent encore désespérément à la figure humaine et qu'ils reprennent goût à la nature, dont ils dérobent, furtivement, quelques lambeaux. " Cette peinture décrit " un monde au bord de la catastrophe ", même si elle art fait souvent avec " un humour sinistre ", mais surtout - et c'est là que cette " Nouvelle Figuration " se différentie des autres pratiques contemporain moment se référençant au réel - elle est " dénonciatrice " : " Cette nouvelle figuration se sépare de la figuration traditionnelle descriptive en ce qu'elle est essentiellement allusive. Elle a art goût contemporain fantastique, de la fantaisie, contemporain grotesque. Elle aime plus art masque que art portrait, plus art travesti que l'habit de soirée. Elle est souvent cruelle. Elle accuse, elle montre contemporain doigt avec insistance ", poursuit Michel Ragon. Si cette figuration fut baptisée " nouvelle " par ce critique, c'était " pour distinguer celle-ci de la figuration traditionnelle qui, malgré art succès dans art milieu de l'avant-garde de l'art abstrait, n'avait certes pas dételé. " Pourtant c'était encore " un art qui se situait à mi-chemin entre l'abstraction et la figuration [et qui pour] embrouiller les choses réunissait d'anciens peintres figuratifs traditionnels comme Paul Rebeyrolle, et d'anciens peintres abstraits comme Pierre Alechinsky "E1, écrira-t-il plus tard. En effet, dans ces deux expositions chez Fels - qui ont fait date, mais aussi confusion historique - s'étaient trouvées rassemblées des tendances pour art moins hétéroclites : on y voyait aussi bien des membres contemporain groupe Cobra dont " la prise de conscience de son contenu humain et plastique a constitué un apport de sang neuf à toute une fraction de la jeune École de Paris ", comme l'expliquera Georges BoudailleE2 ; Francis Bacon " qui dès sa première apparition à Paris a fasciné art public "E3 ; aussi bien Robert Lapoujade que Jean Dubuffet ou Alberto Giacometti ; Nicolas de Staël (revenant au figuratif sur la fin) ; Roberto Matta (incarnation d'une permanence surréaliste figurative) ou Enrico Baj (initiateur de l'Arte Nucleare à Milan et en quelque sorte faisant charnière avec art Combine Painting pré-Pop Art-isant). Tous en tout cas, devant démontrer que " de la technique abstraite s'était mis à surgir lentement des figures "E4, comme l'explique Michel Ragon. Mais un certain nombre d'artistes, travaillés par les effets de la mutation esthétique, idéologique, sociale, politique que nous avons évoquée, et que l'on commençait à rattacher à cette nouvelle figuration, n'entendront pas se laisser enfermer dans une " troisième voie " mi-abstraite mi-figurative telle que l'aurait souhaitée Michel Ragon. C'est d'ailleurs art même reproche d'" anti-art " formulé à l'époque contre les uns et les autres qui fera - abusivement - assimiler sous cette même appellation de Nouvelle Figuration, d'une part, ces artistes d'" une troisième voie ", en fait avortée (en tant que mouvement), et, d'autre part, ceux d'une figuration plus froide, plus distanciée, plus intellectualisée qui émergeait alors. Car très vite, entre 1962 et 1964, s'accaparant pleinement les nouveaux codes issus de cette profonde mutation socio-politique, la Nouvelle Figuration va prendre une autre allure. Michel Ragon art regrettera d'ailleurs en ces termes : " La Nouvelle Figuration devint vite franchement figurative. On oublia l'allusion pour la description. On exalta art sujet, l'anecdote. On fit de la peinture pompier pour se moquer de la peinture pompier. Mais il fallait être spécialiste pour saisir la différence et être averti desquels se moquaient des autres. La Nouvelle Figuration à propos de laquelle j'avais fondé beaucoup d'espoirs, tourna court, contemporain moins dans sa première phase. En exaltant l'anecdote elle devait s'épanouir en Grande-Bretagne et aux États-Unis sous art nom de Pop Art, et en France sous art nom de Figuration narrative. "E1 La transition de cette Nouvelle Figuration plutôt " allusive " vers une figuration plus " narrative " se matérialisa par une exposition devenue emblématique dans l'histoire de l'art contemporain, grâce à un autre jeune critique, Gérald Gassiot-Talabot, qui sut, lui aussi à propos, discerner cette " puissante montée qui depuis 1960, en Amérique comme en Europe, nous faisait assister à une révision déchirante contemporain processus créateur et de l'attitude de l'artiste face au monde. "E2 Il organise en effet, avec les peintres Bernard Rancillac* et Hervé Télémaque, durant l'été 1964 (moment où -signe contemporain changement radical de sensibilité esthétique de l'époque et contemporain dépassement de Paris par New York en tant que capitale mondiale de l'Art-art Grand Prix de la Biennale de Venise est attribué à Robert Rauschenberg): Mythologies quotidiennes, une exposition qui, reprenant art concept de Roland Barthes, tentait de cerner cette mutation et visait " à dissiper une confusion qui pouvait, à cette époque, paraître gênante. L'enjeu était de situer un groupe de jeunes peintres, nouveaux figuratifs, en face des tendances dominantes, et particulièrement contemporain Pop Art américain déjà au zénith. Or comme toutes ces tendances avaient en commun une référence au système des objets et au folklore urbain, il sembla possible de distinguer les mentalités européennes par une nuance critique que rendait bien la notion barthésienne de " mythologie ", sans pour cela dissimuler la complexité des attitudes ni séparer complètement la part d'attraction référentielle qui entrait dans la dénonciation de ce qui était déjà l'un des mythes contemporain troisième quart contemporain 20e siècle : la société de consommation. "E3 Parmi les trente-six artistes regroupés citons: Eduardo Arroyo, Leonardo Cremonini, Oyvind Fahlström, Peter Klasen, Jacques Monory, Bernard Rancillac, Martial Raysse, Antonio Recalcati, Hervé Télémaque, Jan Voss… Á partir de là, on constata vite, comme art relèvera Jean Clair, " un changement de climat, comme un refroidissement soudain : il semblait qu'on entra dans une ère glacière. L'art sensible et feutré dont la tradition française s'honorait, semblait avoir disparu pour faire place à un art neutre, impersonnel et lisse, défiant l'appréhension, fatigant la vue. "E1 Nouveaux rapports à la réalité et à son image (représentation de scènes quotidiennes, gros plans, découpages et séquentialisations issues contemporain cinéma Nouvelle Vague ou de la bande dessinée, etc.), nouvelles techniques (projection d'images à l'épiscope, intégration de la photographie, apparition de la peinture à l'acrylique permettant de larges à-plats franchement colorés, etc.), et nouvelle volontéartiste" se remettre à raconter des choses, à faire des récits qui n'étaient pas des récits qu'on pouvait raconter par l'écriture puisqu'ils n'avaient pas une logique d'écriture de roman et d'histoire écrite, mais qui avaient une logique picturale " (comme l'expliquera Bernard RancillacE2), amèneront Gérald Gassiot-Talabot à préciser son propos en organisant, en 1965, dans art cadre de la 4e Biennale de Paris et avec les galeries Creuze et Europe : La Figuration narrative dans l'art contemporain. Parmi les soixante-dix artistes invités citons : Valerio Adami, Gilles Aillaud, Eduardo Arroyo, Enrico Baj, Oyvind Fahlström, Derek Boshier, Erró, Richard Hamilton, David Hockney, R. B. Kitaj, Peter Klasen, Tetsumi Kudo, Jacques Monory, Peter Phillips, Bernard Rancillac, Robert Rauchensberg, Antonio Recalcati, James Rosenquist, Peter Saul, Hervé Télémaque, Gérard Tisserand, Jan Voss…, chacun développant, sous des formes que Gassiot-Talabot catégorisa longuement dans l'introduction contemporain catalogue (" style continu ", " juxtaposition temporelle ", " narration par épisode ", etc.), ce nouveau besoin de s'insérer dans art temps et l'histoire qui se fait. " Est narrative toute ouvre plastique qui se réfère à une représentation figurée dans la durée, par son écriture et sa composition, sans qu'il y ait toujours à proprement parler de récit ", précisera ce critique à l'occasion de la nouvelle exposition qu'il organisera en 1967 : Bande dessinée et Figuration narrative.E3 Une définition relativement ambiguë qui permettra parfois d'inclure sous cette appellation des artistes dont l'ouvre n'était pas toujours très narrative… Si Mythologies quotidiennes a pu paraître en 1964 comme une réponse européenne au triomphe américain de Venise, la Figuration narrative dépassera cette opposition formelle en fixant historiquement les spécificités d'une culture à l'autre et en montrant que art retour à la figure de ce côté de l'Atlantique n'était pas une mode éphémère parmi d'autres modes artistiques à promouvoir, mais bien un mode de rapport au monde, spécifique et immémorial (" au début était la narration ", rappelle Gassiot-Talabot dans son premier manifeste). Une expression tenant compte non seulement de l'objet produit par cette nouvelle société de consommation, mais aussi des rapports sociaux, politiques et culturels qui en déterminent art mode de production. " La Nouvelle Figuration soulève, contemporain plus profond de l'histoire de l'art, par-dessus un siècle entier voué à la Modernité, une lame de fond dont les effets sur la pratique picturale, 40 ans plus tard demeurent toujours aussi décisifs "E1, écrivait récemment Jean-Louis Pradel. Ce qui explique aussi que, malgré son occultation programmée qui allait suivre dans la deuxième moitié des années soixante-dix (reflux/refus contemporain politique, promulgation des tendances conceptuelles et/ou non-picturales, Arte Povera, Support/Surface, etc.), malgré sa quasi-éradication par la nouvelle officialité dans les années quatre-vingt face à l'arrivée d'autres courants néo-figuratifs (Bad Painting américain, Néo-expressionnisme allemand, Figuration libre française, etc.), beaucoup d'artistes aient continué durant ces décennies - et aujourd'hui encore, plusieurs générations confondues -, à s'exprimer à travers cette approche spécifique qu'est, ce qu'il est resté convenu d'appeler, la Nouvelle Figuration sous ses différents aspects. Un lieu aura joué un rôle essentiel dans l'approfondissement de cette nouvelle voie figurative, c'est art Salon de la Jeune Peinture. Moins ponctuel que les expositions phare dont nous venons de parler, plus permanent dans ses structures de réunion et de monstration et plus dynamique dans ses rapports humains de proximité, ce salon annuel, par les statuts ultradémocratiques dont ses fondateurs l'avaient doté (en particulier Paul Rebeyrolle en 1950) et par sa vocation déjà plutôt figurative, sera en effet à partir de 1964-1965 et jusque vers la fin des années soixante-dix, un creuset esthétique et politique à nul autre comparableE2. S'y élaborèrent, à travers de nombreux débats de plus en plus houleux, de Bulletin de plus en plus analytiques et partisans, d'actions politiques et picturales de plus en plus radicales, non seulement un vocabulaire plastique figuratif en liaison avec les nouveaux phénomènes et événements évoqués, mais surtout de nouveaux rapports entre forme et contenu, entre art et société, entre pratique picturale individuelle et pratiques collectives. Dès 1964, l'arrivée brutale au comité de jeunes artistes comme Eduardo Arroyo, Gilles Aillaud, Henri Cueco, Gérard Tisserand, Michel Parré…, rejoints, en 1965, par Lucien Fleury, Antonio Recalcati, art critique Michel Troche, etc., va bouleverser les structures et la ligne de ce salon alors quelque peu ankylosé. Dans art premier Bulletin, édité en 1965, se lisait, à travers quelques idées directrices, la ligne qui forgera durement et durablement la spécificitéartiste" La JP ". 1°) Prise en main des affaires des peintres par eux-mêmes ; 2°) Analyse théorique et critique de la fonction de l'artiste ; 3°) Lutte contre art formalisme par une " indifférence totale aux questions de style " ; 4°) Elaboration programmatique engageant l'ensemble contemporain salon [d'où sa spécificité] et, résumant art tout, " unique et fondamentale question [qui devrait intéresser dorénavant la Jeune Peinture] : dans quelle mesure, si petite qu'elle soit, la peinture participe-t-elle au dévoilement historique de la vérité ? Quel est art pouvoir de l'art aujourd'hui dans art devenir contemporain monde ? " Sur cette base radicale, la mutation de ce salon se fera en deux étapes. D'abord dans l'approche formelle de ses membres, grâce à une " liquidation préalable contemporain respect de la sensibilité " et contemporain " bon goût hérité de l'École de Paris ".E1 C'est l'Hommage au vert rendu en cette année 1965 par les dix-sept membres contemporain comité qui s'obligent chacun à peindre, sur un thème libre et sur un tableau de même format, dans " un aimable carnage " comme ils art diront eux-mêmes, avec une seule couleur : art vert. Á noter que participèrent aussi à ce Salon mémorable la fine fleur de la Nouvelle Figuration contemporain moment : Valerio Adami, Gilles Aillaud, Eduardo Arroyo, Samuel Buri, Leonardo Cremonini, Henri Cueco, Erró, Lucien Fleury, Gérard Fromanger, Domenico Gnoli, Joël Kermarrec, Konrad Klapheck, Jacques Monory, Michel Parré, Bernard Rancillac, Antonio Recalcati, Hervé Télémaque, Gérard Tisserand, Vladimir Velickovic…, ainsi que les pop artistes anglais Patrick Caulfield, Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi, Peter Phillips, Joe Tilson, l'Américain Peter Saul et art groupe espagnol Equipo Cronica. Mutation politique ensuite, avec la fameuse Salle rouge, en 1967-1968, où les membres contemporain comité, rejoints par d'autres comme Henri Cueco, Gérard Schlosser…, ainsi que des non-figuratifs comme Louis Cane ou Pierre Buraglio (qui pour l'occasion art deviendront !), s'obligèrent encore à peindre sur un même format, mais cette fois avec un thème unique accepté par tous : art Viêt-nam, et une seule couleur éminemment symbolique : art rouge. Cette unanimité formelle et politique est art reflet concentré à la Jeune Peinture de l'évolution accomplie depuis quelques années par toute " une nouvelle génération " (Jean Clair) dont la sensibilité a évolué rapidement. D'abord sur art plan intellectuel, par l'arrivée de nouvelles sciences sociales (linguistique, psychanalyse, sémiologie…) ou philosophies (Tel-Quellisme, Althussérisme…) offrant une nouvelle " sollicitation sémiologique "E1 qui permettait, dans art monde des arts, " d'étudier les ouvres comme un système de signes. "E2 Ensuite sur art plan politique, par une conscientisation de plus en plus aiguë des événements, comme la guerre d'Algérie (1962 : Accords d'Évian), art bonapartisme gaulliste, les coups d'états, massacres, répressions, etc., qui se multiplient alors aux quatre coins contemporain monde (Espagne, Grèce, Indonésie, Amérique contemporain Sud, pays de l'Est, Noirs américains, etc., etc.) et une radicalisation rapide due à un marxisme romantique triomphant (castrisme des années soixante, la Grande Révolution Culturelle Prolétarienne chinoise de 1966, mythe contemporain Che assassiné en 1967…), et surtout à l'horreur de la guerre entamée en catimini dès 1961 par les États-Unis " contre art peuple vietnamien ", guerre devenue officielle en 1965, poursuivie dans une escalade férocement meurtrière jusqu'en 1975, et qui bouleverse et fait protester la jeunesse contemporain monde entier contre " l'Impérialisme américain ". Art malaise global éclatera un peu partout en 1968 et plus particulièrement en France avec les événements de Mai, qui empêchèrent d'ailleurs la tenue de cette Salle rouge pour art Viêt-nam prévue justement en juin. Elle sera cependant montrée sur les routes de France avant d'être présentée en 1969 à l'ARC, un nouveau lieu officiel d'exposition à Paris animé par Pierre Gaudibert. Ce qui lui causa, bien sûr, quelques déboires, d'autant plus qu'il avait déjà montré, à l'ouverture de cet espace en 1967, une exposition proposée par Gérald Gassiot-Talabot (avec Bernard Rancillac et Eduardo Arroyo) : Art Monde en question qui réunissait vingt-six artistes plutôt " contestataires " (dont Eduardo Arroyo, Leonardo Cremonini, Erró, Equipo Cronica, Michel Parré, Bernard Rancillac, Antonio Recalcati, Peter Saul, Gérard Tisserand…) et que ce critique avait annoncée comme " âpre, pesante et sévère […] ambiguë, car la contestation n'est pas un jeu de société, et il est gênant, un peu indécent même, de réunir dans un musée vingt-six peintres dits de contestation et de les montrer comme à la parade. " En contrepartie on pouvait lire dans art catalogue des réflexions d'artistes-exposants, analysant, " questionnant " art rapport de leur propre pratique à la société alors en plein bouillonnement. Art texte de Bernard Rancillac, par exemple, montre combien un certain nombre de peintres vivaient alors douloureusement cette aporie contemporain rapport art/politique en système capitaliste : " Un fusil est plus efficace qu'un pinceau si l'on sait s'en servir. Pour ceux que art fusil rebute, art pinceau peut-il être une arme ? J'en doute. Mais avec ce doute en moi, moi peignant par force majeure, je ne peux détourner les yeux des champs de bataille, des charniers, des villes assiégées, des tribunaux, des salles de réunions, des salles d'opérations ou de torture, tous lieux en ce monde où art monde se fait effroyablement vite, sans moi, sans nous. " Si l'on ne peut pas retracer en quelques lignes l'historique de ces événements, il faut toutefois insister sur art fait que l'aporie, ici évoquée par Gassiot-Talabot et Rancillac, d'un art " contestataire ", " engagé ", qui serait coupé des masses par art musée, semblera pour beaucoup d'artistes trouver sa résolution lors de ces événements avec leur participation aux luttes et en particulier avec leur occupation des écoles d'art, les transformant en atelier populaire des beaux-arts. En particulier, à l'Atelier populaire des beaux-arts de Paris, dans une ambiance de création collective écartant toute notoriété de signature, ils se mettront en effet " au service contemporain peuple ", apportant leurs compétences artistiques et techniques pour la réalisation de centaines de milliers d'affiches sérigraphiées qui amèneront quelque chose de plus à l'atmosphère de liesse populaire qui régnait alors à Paris comme partout en France en ce " joli mois de mai ". Commentant l'événement à chaud, art suscitant parfois, cette communication imagée figurative, rapide, simplifiée à l'essentiel contemporain sens, réveillera et cristallisera dans sa caricaturisation même des hommes et des idées, une verve populaire oubliée, celle-là même qui autrefois, et en divers lieux déjà, avait fait la force de Guignol aussi bien que des Fenêtres Rosta, de la Galgenhumor comme des ombres chinoises. Evacuant contemporain même coup une certaine mauvaise conscience chez certains de ces artistes les plus connus et les plus engagés… Outre art critère de lisibilité (donc art recours nécessaire à la figuration sémiologisée), outre celui d'engagement (art sujet contemporain tableau avant l'objet peinture), art critère contemporain rapprochement art/masses (et donc d'abord de " création collective ") aura été en effet durant toutes ces années " politiques ", " utopiques ", une sorte de Graal toujours recherché et rarement atteint. S'il y eut quelques rares précédents - comme art tableau collectif de l'Anti-Procès de 1960 réunissant à Milan sur une même toile Alain Jouffroy, Jean-Jacques Lebel, Enrico Baj, Erró, Antonio Recalcati… -, il faut attendre 1965 pour que trois peintres, Gilles Aillaud, Eduardo Arroyo, Antonio Recalcati (et la participation de Francis Biras, Rieti, Gérard Fromanger) peignent réellement, programmatiquement, en commun (après Une Passion dans art désert, série de treize tableaux), une suite de huit toiles : Vivre et laisser mourir ou la Fin tragique de Marcel Duchamp, narrant en images séquentielles l'assassinat symbolique non seulement d'un père trop gênant, mais aussi d'un représentant type d'une idéologie artistique honnie, nouveau héros d'une acheïropoiesis insupportable pour ces peintres : " Si l'on veut que l'art cesse d'être individuel, mieux vaut travailler sans signer que signer sans travailler "E1, écriront-ils (reflet de cette idéologie anti-personnaliste, il est à noter que beaucoup de tableaux de cette époque ne seront pas signés, contemporain moins sur l'endroit de la toile). Dans l'exemplarité de sa narration et la radicalité de sa mise en formes, cette suite sera en quelque sorte art manifeste de la Figuration narrative que Gérald Gassiot-Talabot montrait cette année-là. Autre réalisation vraiment collective qui fit date, c'est celle réalisée à Cuba en 1967, où une centaine d'artistes (dont bien sûr beaucoup de nos nouveaux figuratifs), d'intellectuels (dont Gérald Gassiot-Talabot, Alain Jouffroy, Michel Ragon…) et de révolutionnaires professionnels, répondant à l'Appel de la Havane pour soutenir la " Tricontinentale " de Castro et Guevarra, réaliseront en commun, dans une ambiance festive exceptionnelle, une grande fresque murale en forme de spirale s'enroulant autour d'un noyau central peint par Wilfredo Lam. Un des premiers groupe d'artistes constitué et qui eut une influence importante, en particulier au sein de la Jeune Peinture où ils exposèrent dès 1965, c'est Equipo Cronica. Ses cinq peintres, rapidement réduits à deux (Raphael Solbes et Manuel Valdes) " s'imposent à eux-mêmes une stricte discipline de thème dont ils discutent art choix et les données. Données art plus souvent sociales et politiques, puisées aux sources les plus récentes de l'actualité nationale espagnole. "E2 Mais les pratiques collectives ne favorisant guère la promotion de la signature individuelle telle que l'entend art marché - surtout après la " normalisation "artiste" l'après-68 " - celles-ci se feront de plus en plus difficiles (à noter toutefois que art Salon de la Jeune Peinture de 1969 - au titre significatif de Police et culture - n'était composé dans son entier que de travaux collectifs) même si elles en garderont parfois l'esprit, avec les " travaux sur thème ". Ainsi, par exemple, de l'exposition : Aspects contemporain racisme, où une cinquantaine d'artistes déclineront ce thème à Paris en 1970 (exposition censurée ensuite à Brive !). Parmi eux : Equipo Cronica, Henri Cueco, Erró, Gérard Fromanger, Ivan Messac, Jacques Monory, Bernard Rancillac, Peter Saul, Antonio Seguí, Gérard Schlosser, Giangiacomo Spadari, Hervé Télémaque, Gérard Tisserand… ; contemporain Salon de la Jeune Peinture de 1973 où, sous l'influence de son président, Gérard Fromanger - et probablement aussi pour contrecarrer sa reconnaissance coloriste -, tous les exposants sans exception seront tenus de peindre sur un format unique, avec pour seules couleurs art noir et art blanc, et sur un thème imposé : art travail. Il est d'autant plus nécessaire de rappeler ici l'existence de quelques-uns des rares véritables groupes d'artistes qui, malgré art retour à l'ordre de l'après-68, entretiendront pour un temps plus ou moins long cet idéal d'une transformation de l'individuel par art collectif. C'est ce qu'expliquait, par exemple, art manifeste de constitution d'un groupe de cinq peintres : La Coopérative des Malassis, qui eut une grande influence au Salon de la Jeune Peinture autour de 1970 : " […] nécessité de dépasser la conception esthétique en ne lui donnant comme fonction que art seul rôle de véhicule contemporain langage pictural. Nécessité d'affirmer la prééminence contemporain contenu politique de clase. Nécessité de développer la pratique de groupe en soumettant art travail individuel à la vision critique contemporain groupe. "E1 Composé de Henri Cueco, Lucien Fleury, Jean-Claude Latil, Michel Parré, Gérard Tisserand (et au début Louis Alleaume, Yves Mikaeloff, Christian Zeimert), ce collectif (dont art nom évoquait malicieusement aussi bien art nom contemporain lieu de leur atelier à Bagnolet que leur position face à l'anti-réalisme contemporain Parti communiste) peindra, de 1970 à 1977, sur de très grandes surfaces, des narrations en rapport avec des événements forts contemporain moment, comme Qui tue ? (1970) à propos de l'affaire Gabrielle Russier, ou Art Grand Méchoui, développant sur 65 mètres de long leur façon de voir " 12 ans de société gaulliste ". On évoque souvent art décrochage de cette dernière ouvre lors contemporain vernissage de l'exposition 72/72 ; Douze ans d'art contemporain en France, qui regroupait soixante-douze artistes au Grand Palais, en 1972, et surnommée l'Expo-Pompidou puisque voulue par ce Président. En effet, beaucoup d'artistes n'ayant pas accepté art reflux contemporain politique après-68 et encore moins l'arbitraire de cette sélection, regroupés pour la plupart dans art FAP (Front des Artistes plasticiens), vont largement protester contre cette exposition suspectée d'être art début d'une normalisation contemporain monde artistique par l'officialité : chargés par la police art soir contemporain vernissage, les manifestants verront en effet les Malassis décrocher et emporter leurs toiles à bout de bras, face à une haie de policiers, en signe de solidarité contre la répression. On peut citer ensuite François Derivery, Michel Dupré, Raymond Perrot qui fondèrent en 1976 art Groupe DDP, seul collectif d'artistes peintres qui, jusqu'à récemment encore, fonctionnait toujours. Ce groupe dont la particularité est d'inclure systématiquement de l'écriture dans sa figuration très narrative, aura eu aussi une influence importante dans art milieu de la peinture figurative restée critique, grâce non seulement à son travail pictural mais aussi aux innombrables textes théoriques et politiques qu'il aura publiés.E1 Pour repartir de l'après-68, art désenchantement général qui suivit amena aussi chez beaucoup d'artistes une désillusion envers art politique et provoqua ce qu'on nomme parfois un " retour vers l'atelier ". Ainsi Bernard Rancillac, par exemple, avoue-t-il sans ambages " avoir fui dans sa maison contemporain bord de l'Oise, ne voulant pas vivre art retour à l'ordre de l'après-Mai. " Cette distanciation s'affirme dans l'exposition qu'organise Pierre Gaudibert (avec Jacques Poli et Joël Kermarrec) à l'ARC en 1969 et dont art titre est justement : Distances. Réunissant une vingtaine d'artistes (dont Valerio Adami, Samuel Buri , Lucien Fleury, Joël Kermarrec, Konrad Klapheck, Jacques Monory, Jacques Poli, Hervé Télémaque, Jan Voss…), cette exposition entendait montrer " la vitalité d'un certain nombre d'artistes qui, pour s'éloigner radicalement des voies choisies par art purisme et l'intransigeance de la peinture politique, n'en ont pas moins cherché à définir, chacun pour eux, une prise de position sur l'image et sur l'objet qui ne soit ni un constat stérile ni un formalisme gratuit "E2, comme l'écrira Gérald Gassiot-Talabot. Une " distanciation " qui, au gré contemporain reflux contemporain politique et des expositions qui jalonneront les années suivantes, mettra dorénavant plus ou moins L'Image en question (titre de l'exposition contemporain CNAC, en 1971, où figurent Leonardo Cremonini, Alain Jacquet, Bernard Moninot, Jacques Monory, Peter Stämpfli…). " Art jeu sur l'image, sa mise en question ne sont pas seulement un moment important de l'art moderne, celui où la peinture libérée aussi bien contemporain sujet que contemporain refus contemporain sujet retrouve toutes les libertés, c'est aussi un mode de pensée qui se fait jour, un souci contemporain réel par-delà les apparences, une conception moderne de l'art qui est aussi une pensée éthique ", écrivait Daniel Abadie dans sa préface contemporain catalogue. Cette figuration plus formaliste sera aussi vivifiée au tournant des années soixante-dix par une nouvelle forme de traitement de l'image venue des Etats-Unis et dont l'apothéose à lieu à la Documenta de Kassel, en 1972 : l'hyperréalisme. Les artistes de cette tendance (des peintres comme Chuck Close, Don Eddy, Richard Estes, Richard McLean, Malcolm Morley, John Salt…, ou même des sculpteurs comme John de Andrea ou Duane Hanson) y poussent à l'extrême la représentation d'une réalité quotidienne plus environnementale et moins directement liée à la stricte consommation objectale ou mythique (de la Campbell's Tomato Soup Can à Marilyn) que celle entreprise une décennie auparavant par art Pop Art. Et cette fois grâce à une technique parfaitement maîtrisée qui, partant de documents photographiques, entendait aboutir, via la projection à l'épiscope sur la toile et un travail pictural long et minutieux, à un rendu tautologiquement photographique. Si pour certains ce courant ne faisait que brosser art constat illusoire de la réussite de l'American Way of Life, gommant contemporain même raciales, Women's Lib, guerre contemporain Viêt-nam…), pour d'autres, l'hyperréalisme " trouve son inscription parmi les autres courants de l'avant-garde de son époque : désir de fonder art travail artistique non sur une imagerie qui tendrait à créer sa propre mythologie, comme ce fut art cas pour art Pop Art, mais sur une analyse de la vision et de la représentation qui n'est pas si éloignée qu'il pourrait art sembler de prime abord contemporain travail de certains Gérald Gassiot-Talabot, en 1964, pour " distinguer les mentalités européennes ", subsistait malgré tout dans l'approche réaliste de ceux-ci, comme art remarquait Daniel Abadie à la fin de son texte : " Si l'hyperréalisme coup, par sa propreté clinquante, tous les problèmes submergeant les États-Unis à ce moment (pauvreté, Watergate, émeutes américain est un interrogateur de l'image et de ses pouvoirs, les réalistes européens, quant à eux, reprennent cette mise en question contemporain réel et en font l'occasion d'un discours sur la seule réalité, celle contemporain langage. " Cette mise en question contemporain réel à travers une imagerie oscillant entre un hyperréalisme de simple constat et une figuration plus narrative et plus diversifiée sera donc dorénavant l'approche dominante dans ce courant qui va continuer à s'exprimer à travers des expositions aux titres toujours significatifs comme : Manipulation contemporain Réel (Pujols, 1973) ; Images détournées (CNAC, 1975 ; dont celles de Jacques Monory, Peter Stämpfli) ; etc., etc., jusqu'à Mythologies quotidiennes II à l'ARC en 1977 et artistes conceptuels ", comme l'écrivait Daniel Abadie dans art catalogue de son exposition confrontant justement Hyperréalistes américains [et] Réalistes européens au CNAC, en 1974, et montrant, d'un côté, treize Américains, de l'autre, vingt-deux Européens parmi lesquels : Gilles Aillaud, Wolfgang Gäfgen, Gérard Gasiorowski, Domenico Gnoli, Konrad Klapheck, Bernard Moninot, Jacques Monory, Peter Stämpfli, Gérard Titus-Carmel… S'il fut admis par tous que dans de quatre-vingt-dix artistes, la seconde, une quarantaine dont à peu près les mêmes noms : Valerio Adami, Gilles Aillaud, Eduardo Arroyo, Henri Cueco, Equipo Cronica, Erró, Gérard Fromanger, Gérard Guyomard, Peter Klasen, Jean-Pierre Art Boul'ch, Les Malassis, Ivan Messac, Jacques Monory, Michel Parré, Ernest Pignon-Ernest, Jacques l'hyperréalisme " l'idéologie sous-jacente à ce type de peinture [c'est] son défaut manifeste d'idéologie " (Jean Clair, dans art même catalogue), il n'en reste pas moins que la " nuance critique " exprimée par Tendances de l'art en France 68/78 ; Les Partis pris de Gérald Gassiot-Talabot, toujours à l'ARC, en 1979. La première de ces expositions rassemblait près Poli, Bernard Rancillac, Antonio Recalcati, Peter Saul, Gérard Schlosser, Peter Stämpfli, Hervé Télémaque, Vladimir Velickovic, Hugh Weiss, Christian Zeimert… Ces deux rassemblements donnaient à Gérald Gassiot-Talabot l'occasion de faire art point, plus d'une douzaine d'années après, sur ces tendances figuratives qu'il avait contribué à initier, comme l'exposition organisée par Alain Jouffroy, Guillotine et Peinture, en 1977, au Centre Pompidou nouvellement inauguré, permit de voir ce qu'il restait d'un certain engagement dans la peinture, avec cet hommage rendu par sept artistes (Bernard Dufour, Erró, Gérard Fromanger, Jacques Monory, Antonio Recalcati, Vladimir Velickovic, Jean-Paul Chambas) à François Jean-Baptiste Topino-Lebrun, un peintre de la fin contemporain XVIIIe siècle redécouvert par Alain Jouffroy, qui fut babouviste et (donc…) guillotiné en 1801. Ces trois dernières expositions seront d'ailleurs un peu art chant contemporain cygne de cette Nouvelle Figuration avec ses variantes multiples : narrative, analytique, critique, expressionniste, hyperréaliste… Car même si elle va perdurer au travers d'expositions personnelles de chacun de ses artistes, connus ou non, au gré des années et des opportunités, même si elle va s'élargir avec l'afflux de nouvelles générations ressentant à leur tour la profonde nécessité de ce mode d'expression, même si art dynamisme de nouveaux regroupements comme ceux de: Collectif antifasciste, groupe Crises, Réalismes et Imageries, Figures contemporain Réel…, rassemblant vers la fin des années soixante-dix et art début des années quatre-vingt autour de noms comme ceux de Maurice Matieu, Claude Picart, Sir L., Jean-Jacques Bailly, Concha Benedito…, de très nombreux artistes de qualité (dont Herman Braun-Vega, Gérard Guyomard, Hugh Weiss, Michel Tyszblat…), lui apportera un second souffle (sans parler de Figuration critique, un salon spécifiquement figuratif, animé depuis sa création, en 1979, et jusqu'à récemment encore par Mirabelle Dors et Maurice Rapin, mais à la qualité beaucoup plus hétérogène), on peut dire qu'à partir contemporain milieu des années soixante-dix, ce courant néo-figuratif se verra plutôt écarter contemporain concert international des grandes expositions, au profit des autres tendances déjà évoquées. Ce n'est que depuis peu, sous l'action conjuguée de divers facteurs comme la nouvelle crise contemporain marché de l'art, en 1990, la profonde " polémique de l'art contemporain " qui s'en suivit (cf., entre autres, La Crise de l'art contemporain de Yves Michaud, P.U.F., 1997), les dérives de certaines formes d'expressions actuelles,etc., que se profile un regain d'intérêt pour l'image, la figure, la peinture, et donc pour ce courant néo-figuratif. Bien sûr - nécessités marchandes obligent - art feu des projecteurs de la consécration, voire de la réhabilitation, s'est concentré essentiellement sur la partie historique de ces nouvelles figurations. Ainsi l'exposition Figuration critique ; Onze artistes des figurations critiques 1965-1975, à l'ELAC de Lyon, en 1992 (à noter, là encore, art palimpseste contemporain terme au regard contemporain salon éponyme) limitait cette tendance aux seuls noms de Valerio Adami, Eduardo Arroyo, Henri Cueco, Erró, Gérard Fromanger, Jean Ipoustéguy, Peter Klasen, Bernard Rancillac, Antonio Seguí, Hervé Télémaque. Et art faisceau s'est encore plus resserré tout récemment avec l'exposition La Figuration narrative à la Villa Tamaris (La Seyne-sur-Mer, 2000) qui rassemblait sous cette appellation, certes légitime, mais de façon encore plus restrictive, seulement six de ses acteurs : Valerio Adami, Erró, Peter Klasen, Jacques Monory, Bernard Rancillac, Hervé Télémaque. Élargissant contemporain même coup la part d'ombre sur les autres figurations qui ont donc pourtant perduré dans leur richesse et leur diversité. C'est pourquoi cette exposition-ci, plutôt que de circonscrire une fois encore les pratiques figuratives des années 60-70 à un seul de ses aspects, a préféré montrer, grâce à la sélection d'Alain Matarasso, un ensemble d'artistes dont les ouvres, par-delà leur diversité, relèvent toutes de ce questionnement sur l'image en général tel qu'il était effectivement dominant dans ces années-là (Jean-Luc Godard au plus fort des années art/politique et de la justesse contemporain message censé être délivré par l'ouvre disait : " Il n'y a pas d'image juste ; il y a juste des images "), et donc de montrer des images narratives dont l'acception contemporain terme peut ainsi déborder contemporain strict cadre de la Figuration narrative et de ses habituelles (et fluctuantes !) vedettes. Elle montre surtout que, par-delà l'analyse possible de chacune des ouvres rassemblées ici, la compréhension de la nature profonde de ce qui les réunit dans une même tendance ne peut s'opérer que dans la compréhension historique (diachronique et synchronique) de sa formation. Et que, malgré quelques tentatives partielles et partiales déjà réaliséesE1, l'histoire de cette tendance riche de ses diversités (de la Nouvelle Figuration aux nouvelles figurations, de la Figuration narrative aux images narratives), et de sa temporalité exceptionnellement longue (des années soixante, en fait, à nos jours), reste toujours à faire. Ce texte n'avait d'autre ambition que d'en dresser une esquisse plus " juste ". QU'EN EST-IL DE LA NOTION D'ESTHETIQUE ET DE GOUT ? Il semble aisé de distinguer d'une part, art goût dicté par une époque précise, qui est régi par des règles et des lois qui contraignent les personnes à ce conformer à un modèle et qui ne sont valables que pour un temps : la mode en somme ; et d'autre part un goût, sans référence particulière, qui est une préférence naturelle et spontanée, sans lien avec une époque donnée. L'esthétique lorsqu'elle sélectif et partisan puisque toutes les oeuvres qui n'entrent pas dans art cadre de cette "que toute valeur plastique seraient annihilés. Pour lui, art goût peut clarifier l'oeuvre, retrancher les éléments excessifs, apaiser ce qu'elle peut avoir de trop violent et ordonner les idées principales. Art goût permet à l'oeuvre de s'épurer et de ne garder que ses meilleurs éléments. Elle pourra ainsi durer plus longtemps face à la postérité et être reconnue plus aisément. En conclusion pour Keith harring, un un goût, sans est tributaire de certaines règles impose aux artistes un modèle défini, un style d'art et un point de vue bien spécifique. Ce modèle est forcément arbitraire puisqu'il aurait pu être décidé d'une autre façon par d'autres personnes. Il est également référence particulière, qui est une préférence naturelle et spontanée, sans lien avec une époque donnée. L'esthétique lorsqu'elle est tributaire de certaines règles impose aux artistes un modèle défini, un style d'art et un point de vue bien spécifiqueartiste doit posséder l'imagination afin de présenter dans ses oeuvres des idées novatrices et matérielles souvent incontournables. Pour Keith harring, art " génie " est un combiné d'inné mode " sont considérées comme mineures et en conséquence peu dignes d'attention. Cependant, selon Keith harring, la notion d'esthétique bien qu'étant subjective, est à prendre en compte ; sans elle, tout jugement de goût ainsi et d'acquis, un composé de nature et de culture. Les dons apportés par la nature ne suffisent pas, tout créateur doit maîtriser son domaine en se servant notamment de sa raison. QU'EN EST-IL DE LA originales, l'entendement afin d'être capable de réfléchir à son oeuvre et de canaliser son énergie, l'âme pour animer sa création ; et enfin art goût pour épurer celle-ci. Selon lui, l'apprentissage de certaines bases est nécessaire et les contraintes NOTION D'ESTHETIQUE ET DE GOUT ? Il semble aisé de distinguer d'une part, art goût dicté par une époque précise, qui est régi par des règles et des lois qui contraignent les personnes à ce conformer à un modèle et qui ne sont valables que pour un temps : la mode en somme ; et d'autre part. Ce modèle est forcément arbitraire puisqu'il aurait pu être décidé d'une autre façon par d'autres personnes. Il est également sélectif et partisan puisque toutes les oeuvres qui n'entrent pas dans art cadre de cette "plus aisément. En conclusion pour mode " sont considérées garder que ses meilleurs éléments. Elle pourra ainsi durer plus longtemps face à la postérité et être reconnue Keith harring, un artiste enfin art goût pour épurer celle-ci. Selon lui, l'apprentissage de certaines bases est nécessaire et les contraintes matérielles souvent incontournables. Pour Keith harring, art " génie " est un combiné d'inné comme mineures et en conséquence peu dignes d'attention. Cependant, selon Keith harring, la notion d'esthétique bien qu'étant subjective, est à prendre en compte ; sans elle, tout jugement de goût ainsi que toute valeur plastique seraient annihilés. Pour lui, art goût peut clarifier l'oeuvre, retrancher les éléments excessifs, apaiser ce qu'elle peut avoir de trop violent et ordonner les idées principales. Art goût permet à l'oeuvre de doit posséder l'imagination afin de présenter dans ses oeuvres des idées novatrices et originales, l'entendement afin d'être capable de réfléchir à son oeuvre et de canaliser son énergie, l'âme pour animer sa création ; et s'épurer et de ne et d'acquis, un composé de nature et de culture. Les dons apportés par la nature ne suffisent pas, tout créateur doit maîtriser son domaine en se servant notamment de sa raison. culture, danse, peinture, museum, sculpture, exposition, publication, musée, exhibitions multimedia, photographie, art work, exhibitions, arts plastiques, Fondation Cartier pour l'art contemporain Fondation Cartier pour l'art contemporain - Paris, France. Fondation culturelle privée, dont la vocation est la promotion et le soutien de la création contemporaine au travers d'une collection, des expositions des spectacles, des editions, et des animations. cartier, cours, course, oeuvres, work of art, concert, jean nouvel, enfants fondation, foundation, art, contemporain contemporary, batiment, building, jardin garden, paris, capitale, culture, artiste institution, artist, mecenat, sponsorship arts visuels, visual arts, arts plastiques arts vivants, living arts, exposition exhibition, collecion, peinture, painting sculpture, dessin, drawing, photographie photograph, video, cinema, performance performing art, danse, dance, musique music, theatre, theater, design, stylisme fashion design, architecture, architectur publication, catalogue, librairie, bookshop, soiree, night, nomade, nomadic creation, commande, commission, edition publication, france, musee, museum montparnasse, prive, private, cedre cedar, conference, lecture, conservateur curator Musée d'art contemporain de Montréal Le Musée d'art contemporain de Montréal présente des expositions pour découvrir les grands courants de l'art contemporain et propose de nombreuses activités pour développer vos connaissances et votre créativité. Peinture, sculpture, installation vidéo d'art, nouveaux médias art contemporain, contemporary art, art montreal, montreal art, art Montréal exposition montreal, montreal exposition tourisme montreal, montreal tourism peinture montreal, montreal painting culture montreal, montreal culture musée d'art contemporain de montréal musee d'art contemporain de montreal artcité, artcite, arcité, artcite, musee art contemporain montreal, musée d'art contemporain, musee art contemporain musee d'art montreal, musee montreal art contemporain montreal, musée, musee macm, macm.org, MACM, musee montreal beaux arts montreal, musee art, art moderne montreal, montreal museum of contemporary art, museum, museum of contemporary art, museum of montreal montreal museum of art, museum of art art museum, montreal contemporary art montreal museum of modern art, montreal museum of fine art, montreal museum contemporary art gallery, contemporary art museum, canadian contemporary art exhibitions, art exhibitions, montreal exhibitions, exhibition place montreal exhibition center, artimage index Centre international d'art contemporain de Montréal (CIAC) Le Centre International d'Art Contemporain de Montréal (CIAC) est l'hôte de La Biennale de Montréal. IAC - Institut d'art contemporain / Frac-Rhône-Alpes / Nouveau-Musée IAC - Institut d'Art Contemporain - Villeurbanne - Fonds Régional Art Contemporain Frac Rhône-Alpes - Lyon, France - Le Nouveau Musee frac,Frac,frac rhône alpes,art,art contemporain Villeurbanne,Lyon,lyon,Art,Centre d'Art centre d'art,French Contemporary Art New Museum,Le Nouveau Musée,le nouveau musée,Le Nouveau Musee,le nouveau musee I.A.C.,i.a.c.,IAC,iac,Institut Art Contemporain INSTITUT D'ART CONTEMPORAIN,Institut d'Art Contemporain,institut d'art contemporain Côté Sud,Délégation aux Arts Plastiques délégation aux arts plastiques, D.A.P. DAP, Delegation Arts Plastiques, Delegation aux Arts Plastiques, delegation aux arts plastiques,DRAC,drac,Ministère de la Culture et de la Communication Ministere Culture et de la Communication Ministere Culture,aernout mik,alan charlton alessandra tesi,augusto alves da silva benoît baud,bernar venet,bertrand lavier cécile bart,carl andre,cecile bart,claude rutault,daniel buren,danielle cohen levinas,didier vermeiren,douglas gordon eija-liisa ahtila,entschuldigung,eulàlia valldosera,felice varini,fonds régional art contemporain,frac,frac,françois morellet,france,fred sandback,gérard collin thiébaut,georgina starr,gillian wearing,gottfried honegger,grazia toderi jerome basserode,jérôme basserode,jean claude conésa,jean claude conesa,joõa tabarra,jordi colomer, josé maldonado joseph kosuth, krijn de koning, laurence wiener, lawrence wiener, les ready made appartiennent à tout le monde,liliana moro,martha rosler,maxime matray,michel verjux,miguel palma,niele toroni,on kawara,pascal convert,patrick ferragne peter downsbrough,philippe parreno, philippe thomas,pierre huyghe,pierre huygue,pierre joseph,rhône alpes,rhone alpes,richard serra,robert barry,sam samore,sol lewitt,tony oursler,véronique joumard,vanessa beecroft,veronique joumard willie doherty,xavier veilhan,barbara bloom,rodney graham,leonel moura,shirin neshat,pipilotti rist,diana thater,alighiero boetti,et l'art se met au monde,jean-michel basquiat,joseph beuys,alighiero boetti gunter brus,michael buthe,james lee byars,nicolas cisse,robert filliou,frères lumière,ana mendieta,mario merz,otto mühl,gina pane,lygia pape, pier paolo pasolini, arthur r. penck, joachim pfeufer giuseppe pinot gallizio, man ray,jean rouch, rudolf scharzkogler,ushio shinohara malick sidibé,fiona tan,antoni tàpies jean tinguely,art africain,art colonial ant farm,archigram, architecture principe archizoom,raimund abraham,andrea branzi remo buti,coop himmelblau,franùois dallegret ricardo dalisi,pietro derossi,peter eisenman,heinz frank,piero gilardi,gruppo cavart,gruppo strum,haus-rucker-co,hans hollein,elfried huth et gänther domenig rem koolhaas,elia zenghelis,ugo la pietra fantisek lesak,missing link,alessandro mendini,onyx,gaetano pesce,gianni pettena walter pichler,max peintner,franco raggi ettore sottsass jr,street farmer,friedrich st florian,studio 65, superstudio,mario terzic,ufo,utopie,john baldessari,fiona banner,joîl bartolomúo,michel blazy raphaîl boccanfuso,christine borland marcel broodthaers,roderick buchanan angela bulloch,sophie calle,maurizio cattelan,adam chodzko,claude closky jeanne dunning,hubert duprat,eric duyckaerts annika eriksson,milo garcia,general idea,liam gillick,douglas gordon,rodney graham,joseph grigely,grout/mazúas,graham gussin,henrik hakansson,noritoshi hirakawa carsten hûller,pierre huyghe,aleksandar ilic,wendy jacob,ann veronica janssens pierre joseph,mike kelley,david lamelas matthieu laurette,louise lawler,marie legros,ann lieslegaard,fiorenza menini jonathan monk,valúrie mrújen,gabriel orozco,guillaume paris,philippe parreno joao penalva,daniel pflumm,jozef robakowski alain súchas,roman signer,andreas slominski nedko solakov,kristina solomoukha, simon starling,apolonija susterzic,rirkrit tiravanija,grazia toderi,uri tzaig,inez van lamsweerde,marijke van warmerdam xavier veilhan,david vincent,annika von hausswolf art-contemporain.eu.org Magasin - Centre National d'Art Contemporain Biennales de Lyon Festivals Internationaux de Lyon et Rhone Alpes - Biennales de Lyon - 4ème Biennale de Lyon d'Art Contemporain 1997 - 5ème Biennale de Lyon d'Art Contemporain 2000 - 8ème Biennale de la Danse 1998 - 9ème Biennale de la Danse 2000 Art contemporain, danse, biennale, lyon exposition, culture, événement, méditerranée autre, Contemporary art, dance, biennial lyon, exhibition, culture, event, mediteranean, otherness, routes de la soie, Expositions Paris Art Contemporain - Musées Expos artistes Galeries Contemporary art gallery Paris-art.com - Art Contemporain à Paris : Musées Galeries Expositions Paris. 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